El soñador sin párpados

Portada de "Casa Quemada"

2012-02-13T00:08:00.001+01:00

Por fin aparecerá publicada en papel y digital "Casa Quemada", la cual se podrá adquirir por poco más de 9 euros ($ 13,50) más gastos de envío. Tanto el libro como el ebook (del que todavía no tengo constancia del precio final) se podrán adquirir pidiéndolos a la propia tienda de Ediciones Muza .

Esta publicación es una de las dos coincidencias de las que os hablé en una entrada anterior, dado que iba a salir hace más de un año y por un serie de circunstancias fue acumulando retraso.

Desvelaré la otra coincidencia en la entrada del martes, así que permaneced atentos.

Os contaré más de "Casa Quemada" el día 15 de febrero.

¿Qué os parece la portada?

Segunda reseña de "Gangsters Zombies"

2012-02-08T22:49:00.002+01:00

Gracias a la excelente web "Reseñas", "Gangsters Zombies" cuenta con una nueva crítica. La cual me ha parecido muy acertada, aunque no esté del todo de acuerdo con ella en lo que se refiere a la voz elegida para narrar la novela.

Sigo pensando que la segunda persona es la adecuada. De hecho, el primer borrador estaba escrito en primera persona, y lo cambié porque me parecía que el lector podía empatizar con mayor facilidad con los personajes empleando la segunda persona para la narración. Pero esta es mi opinión, tan subjetiva y válida como la de cualquiera.

Los otros aspectos negativos que expone la crítica, muy a mi pesar, no puedo discutirlo; solo bajar la cabeza, y esperar que mis próximos proyectos pulan los errores gramaticales y ortográficos que aparecen en esta edición en ebook. No hay nada peor que una vez publicada tu novela releerla y encontrar fallos que se te han pasado a ti y a tus correctores y que no te explicas cómo.

Si queréis leer la crítica, pinchad aquí. Ah, y no os quedéis solo con la mía, pues esta web mezcla acertadamente autores conocidos con desconocidos, convirtiéndose en una magnífica página de referencia para todos aquellos que no se limiten a comprar los tochos amontonados en la mesa de novedades y tengan curiosidad por descubrir joyas literarias que, en su mayoría, no cuentan con los medios promocionales necesarios para darse a conocer al gran público.

“Wec Le Mans”, versión para Amstrad CPC 464

2012-02-07T00:54:00.004+01:00

Nos encontramos ante otra excelente conversión de máquina recreativa, desarrollada por “Imagine”, en 1986.

La perspectiva que emplea es la trasera —idéntica a la que utiliza “Enduro Racer”—, solo que esta vez en vez de pilotar una moto de cross, nos ponemos al volante de un potente porsche, para competir en la carrera más dura de todas: “Las 24 horas de Le Mans”.
Nuestro objetivo es llegar a los puntos de control antes de que se termine el crono. Los coches contrarios pueden chocar entre sí, y contra nosotros. Tú coche irá estropeándose, a medida que tengas accidentes.

El aspecto gráfico está bastante cuidado, así como la impresión de velocidad. Lástima que el diseño de los demás vehículos sea siempre el mismo. El sonido durante el videojuego, se limita al rugir del motor; aunque en el menú principal, podemos oír una banda sonora bastante decente.

Sin duda, “Wec Le Mans” es un videojuego que invita a dedicarle horas de juego. Aunque el hecho de que no haya más opciones que competir en la carrera, limita sus posibilidades, y lo hace algo repetitivo; como le sucede al ya citado “Enduro Race” o a “3D Grand Prix”, por citar dos videojuegos de temática similar.

De todas formas, si queréis un emulador gratis y no sabéis cual, mirad este enlace de los compañeros de Amstrad Esp -uno de los mejores sitios para saber más del Amstrad y donde podréis encontrar gran variedad de títulos clásicos y nuevos; sí, la escena retro está viva, aunque cada vez más parada en el caso concreto de Amstrad.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

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El dios Sapo

2012-02-06T00:05:00.003+01:00

La vida tiene a veces coincidencias que de tan forzadas, cuesta achacarlas al azar.

Digo esto, porque el próximo día 15 de febrero de 2012 -si todo discurre con "normalidad"- tendrán lugar dos acontecimientos relacionados conmigo, cuyas probabilidades de coincidir en el espacio y el tiempo resultaban -analizadas en su contexto-, cuánto menos, absurdas.

Pero mi vida tiende a lo imposible -para mal, y algunas veces para bien-, por lo que una vez asumido lo que está por venir, no queda más remedio que esperar a que todo suceda, y ver si es para bien o para mal o, simplemente, todo sigue igual.

En conclusión, el día 15 de febrero de 2012 desvelaré dos sucesos relacionados conmigo que, de ocurrir, puede que provoquen una fisura en el flujo espacio temporal, desembocando a su vez en una nueva paradoja temporal -valga la redundancia-; la cual amenazará el mundo tal y como lo conocemos... o también puede que ocurran los hechos, y todo siga igual. Incluso, puede que alguno de los sucesos no tenga lugar, y el mundo esté libre de una coincidencia que demostraría la existencia de Dios o de un sapo gigante con un cetro pegado con celo en sus ancas.

Sea como sea, será.

Enduro Racer, versión Amstrad CPC 464

2012-01-31T23:57:00.001+01:00

La arena y el polvo se adhieren al visor de tu casco. Rebasas las gigantescas rocas esparcidas por la pista a toda velocidad. Los rivales pugnan contigo por avanzar posiciones. Tus brazos te duelen como consecuencia del traqueteo del manillar. Saltas por los aires y al caer, a punto estás de dar con tus huesos en el piso. El rugido del motor no te deja oír nada. La rueda trasera derrapa con estrépito, y casi te hacer caer un par de veces. Tienes que conseguir clasificarte, para poder seguir en carrera. Tu lucha contra el crono y los elementos será inclemente. ¿Estás preparado para competir en el duro mundo del motocroos? ¿Sí? Pues a qué esperas, prueba “Enduro Racer”.

Salvando las consabidas diferencias que existían entre la máquina recreativa creada por Sega, y los microordenadores de 8 bits, la conversión que llevó a cabo “Activision” superó las expectativas de la época. Nadie creía que pudieran hacer un producto tan bien acabado y tan jugable.

La máquina recreativa había sido un éxito, sobre todo, porque para jugar nos montábamos realmente en una especie de moto. El diseño de la máquina recreativa de “Enduro Racer” fue todo un acierto. Lástima que, al menos en el Bar donde nosotros jugábamos, el dueño decidió que le cambiarán la máquina y dejaran sólo el manillar de la moto, con lo que ya no era lo mismo. Lo curioso es que creo que nunca llegué a jugar con la máquina entera, cuando me decidí a echar una partida —pues había que gestionar bien la escasa asignación que nos daban los padres de entonces, porque el dinero llegaba para lo que llegaba, y ya está—, ya solo estaba el manillar. Aún así, creo que me lo pasé en grande.

Aunque las recreativas tenían el problema de que, si realmente le querías sacar el máximo rendimiento, tenías que gastarte mucho dinero. Por eso mismo, cuando los usuarios de Amstrad —y supongo que los de ZX Spectrum, Commodore y Atari ST— supieron, gracias, probablemente, a la revista “Micromanía”, que se iba a realizar una versión para los ordenadores domésticos, se generó una gran expectación.

Y las expectativas se colmaron con creces. Rapidamente olvidamos las diferencias gráficas de animación y de velocidad con la máquina recreativa y nos dedicamos a disfrutar de uno de los mejores videjuegos de motos de la época. El cual —como ocurre con “Match day II”, “Match point” o “3D Grand Prix”— abrío la senda de este estilo de simuladores y estableció las pautas de lo que debería de ser un buen videojuego de motos.

“Enduro Racer” es un videojuego de carreras con perspectiva trasera y en tercera persona, lo que potenciaba la sensación de velocidad. Nosotros adoptábamos el papel de un experto piloto de motocross, y teníamos que completar el recorrido de un circuito plagado de obstáculos —hoyos, piedras... — y trepidantes saltos, así como de más coches y motos, en un tiempo estipulado. Competíamos contra los demás, y contra el reloj.

A medida que consigamos superar al crono, iremos cambiando de circuito. Existen hasta cinco circuitos. En las máquina recreativa, apenas pasaba del primero, las pocas veces que pude jugar. En mi Amstrad, como podía jugar todas las partidas que quisiera, creo que logré acabármelo.

Ahora, cuando lo he rejugado en mi emulador, me ha parecido más difícil que en aquel entonces. Aunque, finalmente, he vuelto a recuperar cierta soltura.

Los gráficos eran muy buenos para la época. Lo mejor, sin duda, eran las animaciones. Nuestro piloto, se recostaba sobre la moto y sacaba un pie para apurar las curvas. También hacía caballitos y daba saltos prodigiosos, que bien podían hacer que terminaras estrellado contra una piedra o con tus huesos empotrados contra el suelo. Lo que te hacía perder un tiempo precioso. Cuando tomas los saltos, sin la rueda delantera en alto, tu piloto pierde el control de la moto y se aferra al manillar, mientras sus piernas se despegan de la moto.

El juego se encuentra dividido en cinco circuitos (la versión japonesa incluía alguno más), en los cuales tendremos que realizar una carrera contrarreloj. Aparte de evitar a otros contrincantes (aunque no influía para nada nuestra posición), tendremos que tener cuidado para no impactar con obstáculos como rocas y árboles. Una buena manera de adelantar a nuestros contrincantes es saltarlos por encima con ayuda de alguna rampa, echando hacia atrás el manillar.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Mi primer PC

2012-01-31T00:05:00.008+01:00

Era parecido a este, pero con una unidad.

A principios de los 90 -no recuerdo exactamente, pero debía de ser por esa época, pues creo que yo tendría doce o trece años- llegó un armatoste a nuestra casa, con el propósito de que mi hermano lo usase para programar. Yo no pude más que recibir al recién llegado con ciertas reservas. Pues su llegada obligó a que mi querido Amstrad CPC 464 tuviese que dejar su lugar de honor en la mesa de nuestra habitación, y quedara relegado a la de mi hermana. Su aspecto grisáceo no inducía a pensar en aquella máquina, que solo había visto en las oficinas de la época, pudiese ofrecerme más diversión que mi colorido Amstrad.

Pero mi hermano decía que los juegos eran infinitamente mejores que los ordenadores de 8 bits, a los que el armatoste doblaba en capacidad: 16 bits.

Así que le di un voto de confianza a aquel PC 2.8.6, con tarjeta gráfica CGA, monitor monocromo -gracias a Dios, no tuve que soportar los horribles tonos morado que se gastaba la tarjeta gráfica-, sonido PC. Pero a pesar de quedar embelesado con los discos de cinco y cuarto y disfrutar como un enano viendo que los juegos se cargaban en cuestión de segundos, no me hizo mucha gracia; y seguí dándole caña a mi Amstrad CPC 464.

Aunque para jugar al Amstrad debía sacar el teclado de un cajón, ponerle una tabla debajo que lo sostenía, conectar los cables y jugar empotrado contra el resto de cajones, situados por debajo del hueco del mueble donde descansaba el ordenador; pues ya en esa época empezaba a tener problemas con el espacio gracias –o más bien, por desgracia- a mi altura y la longitud de mis piernas. Sí, ya por aquel entonces empezaba a sospechar que no iba –literalmente- a encajar muy bien en el mundo que me rodeaba.

Recuerdo que el mueble era el típico que tenía todo el mundo, aquel de la cama que salía del mismo y que, creo, heredamos de un vecino.

Después decidí que lo mejor era agarrar el monitor y el teclado, y directamente montar el ordenador encima de mi cama y jugar sentado en la de mi hermano.

Por un tiempo mi hermano se dedicó exclusivamente al PC –situado en la mesa del ordenador de mi habitación-, y yo al Amstrad. Recuerdo que por aquella época jugué mucho al “Batman” de Ocean, y que cuando llegaba a una pantalla nueva, bajaba, le avisaba y los dos nos subíamos a intentar pasarnos la pantalla nueva, pues estábamos a un tris de terminar el juego sin cargadores.

Entonces ocurrió lo que me pareció una de las mayores desgracias del mundo, mi Amstrad CPC 464 dejó de cargar juegos. Aparentemente la unidad de casete se había roto, y habiendo un ordenador más potente en casa, sabía que mis padres no llevarían a arreglarlo. Y así, fue. Además, por si había alguna duda, mi padre optó por regalarle el ordenador a un amigo del trabajo –curioso que mi PC proviniese también del trabajo de mi padre; aunque dudo mucho que hubiese podido llegar de otra forma hubiese podido llegar a casa, ya que por aquel entonces los precios de los PCs eran astronómicos- que le dijo que no se preocupara porque no cargaran los juegos, que lo quería para que lo usaran sus niñas pequeñas. Pobres, me imagino a esas niñas teniendo un ordenador que no cargaba juegos; aunque, claro, quizá su padre le puso una unidad de casete externa –cosa que yo no sabía que podía hacerse; y hoy en día tampoco estoy del todo seguro, pero imagina que sí se podía hacer, dado la estructura interna del ordenador- o lo arregló, sin más.

La pérdida de mi Amstrad me dejó un poco tocado, a pesar de que ya no era lo mismo porque no podía disfrutar de juegos a dobles con mi hermano. Creí que ya no iba a poder jugar más, pues los juegos grabados en los discos de cinco y cuarto me parecían todos malísimos; excepto el “Sokoban”, el cual era el único juego medianamente salvable y entretenido. Pero entonces mi hermano apareció con el “Budokan”, y ya nada volvió a ser lo mismo. Pues aquel juego era infinitamente superior a cualquiera que hubiese visto en Amstrad. Pasé horas jugando con él. Y luego vendrían otros que harían olvidarme del Amstrad durante años. Cómo podía acordarme de él, si fue el PC quien me permitió jugar con mi hermano al “Golden Axe” y me descubrió el que iba a ser mi género favorito: las aventuras gráficas, y en concreto: Lucas Art.

Esta entrada no tiene otro objetivo que dejaros claro que a partir de este momento, también empezaré a hablar de juegos clásicos de PC. Y como aparetivo, os dejo un curioso video que he encontrado, donde aparecen muchos grandes juegos –aunque no todos, claro- de la época.

Espero que os traiga tantos recuerdos como a mí -si eres "viejuno"- o te pique el gusanillo de querer saber más de los videojuegos clásicos de PC.

Barbarian, versión Amstrad CPC 464

2012-01-30T00:05:00.004+01:00

"Tus manos rodean la empuñadura de piel. Tus ojos se clavan, feroces, en tu enemigo. Esperas a que él haga su primero movimiento. Ahora. Sientes el viento de la espada enemigo, y esquivas su mandoble, con suma destreza. Apenas roza tu piel. Entonces, aprovechas que ha bajado la guardia, giras sobre ti mismo, y descargas un poderoso golpe contra su cuello. La sangre sale a borbotones, mientras la cabeza de tu enemigo cae al suelo. Has vencido. Un rival menos, para rescatar a la hermosa princesa".

El videojuego fue desarrollado por la compañía “Palace Software”. En él, adoptamos la identidad de un fornido bárbaro y debemos vencer a varios oponentes para liberar a una hermosa princesa de las garras de un malvado mago. Argumento inspirado, claramente, en las historias de Conan.

Lo primero que llama la atención de este videojuego es la carátula, deudora también de Conan, y de todas sus imitaciones fílmicas —mayoritariamente italianas— que inundaron las pantallas, sobre todos las de televisión, gracias a los videoclubes de barrio, donde las alquilábamos embelesados por las impresionantes ilustraciones de sus portadas. En aquel momento, el género de espada y brujerías estaba en alza y existían multitud de productos relacionados con esta temática: cómics, dibujos animados, series de televisión, películas, juegos de rol, novelas, etc.

El motivo de la carátula en cuestión, no era otro que un bárbaro robusto, sosteniendo una espada enorme, y una voluptuosa mujer, semidesnuda, a sus pies, que servía como reclamo.

Obviamente, se levantó un buen revuelo, y tanto la carátula como el contenido del videojuego fueron vilipendiados y acusados de hacer apología del sexo y la violencia.

En lo que se refiere a la carátula, lo que más molestó, sin duda, fue que se tratase de una fotografía real —y no una ilustración—, y la mujer —del hombre poco se dijo, aunque apareciera en taparrabos— fuese una reconocida modelo inglesa, de abundantes pechos, a quien costaba encontrar el tejido que impedía que su desnudez fuera completa.

Por lo visto, en EEUU censuraron la carátula, y la cambiaron por otra menos “descarada”. En Alemania, ni eso; se limitaron a prohibir la distribución del videojuego, y a otra cosa mariposa.

Ahora parece absurdo que se levante tanta polvareda por una carátula así. Pero, por aquel entonces, lo explícito de la imagen, como el hecho de que hubiese decapitaciones en un videojuego, puso muy nervioso a los autoproclamados guardianes de la moral y defensores de la mente de quienes éramos tiernos infantes.

El componente sexual se limitaba a la imagen de la carátula.

Como todas las polémicas absurdas, en poco tiempo, una vez salió a la palestra cualquier otro tema intrascendente con el cual poder polemizar, todo el mundo se olvidó del tema. Menos los aficionados a los videojuegos, claro, que disfrutamos, durante horas, emulando las hazañas de un bárbaro en nuestros microordenadores de 8 bits.

Todavía recuerdo la sensación de triunfo que sentías cuando lograbas dar un golpe tercero —aquel que giraba sobre sí mismo, mientras volteabas la espada por encima de ti— y la cabeza de tu oponente salía volando después de desprenderse del cuerpo, mientras salía sangre a borbotones de su cuello cortado y el cuerpo, decapitado, caía, de rodilla, para luego derrumbarse.

Era la primera vez que en un videojuego existía una acción mortal, que permitía derrotar a tu enemigo de un sólo golpe. También recuerdo qué rabia daba, cuando era tu personaje el decapitado.

Barbarian es un videojuego de lucha, del estilo de “The way of the exploding fist”, sólo que los combatientes, en lugar de ser expertos karatekas, son aguerridos bárbaros, armados con espadas a dos manos.

Se puede jugar a dos jugadores, lo que, como ya he mencionado en otros videojuegos —“Match point”, “Target Renegade”—, multiplica el grado de diversión.

Los gráficos son de un considerable tamaño y de una calidad excelente. Los movimientos de los personajes están muy conseguidos. Los personajes son capaces de realizar multitud de movimiento.

Como puntos negativos —aunque no ensombrecen la calidad global del producto— se puede resaltar la poca variada de personajes, lo reiterativo de la acción y la escasez de decorados.

En definitiva, nos encontramos ante uno de los mejores videojuegos de 8 bits de la época, sobre todo en su apartado gráfico.

Poco después, tras su espectacular éxito —se vendieron miles de copias; en parte, debido a la polémica que se generó—, llegaría una segunda parte, que no se limitaba al combate, sino que ofrecía dosis de videoaventura y nos permitía movernos por un mayor número de escenarios.

Años después, se realizó un esplendido remake, al que he tenido la fortuna de jugar, y quedar plenamente satisfecho; pero os hablaré de él en otro momento.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

“Barry Mcguigan World Championship boxing”, versión Amstrad CPC 464

2012-01-26T00:13:00.011+01:00

Lo prometido es deuda. En el análisis de “Fighting Warriors” os comenté que os hablaría en breve de este videojuego, así que vamos a entrar en faena.

Este videojuego visto hoy en día puede causar una primera impresión algo desconcertante. Pero, asumido el primer impacto, resulta sencillo volverse a sumergir en uno de los mejores simuladores de boxeo que se hicieron para los microordenadores de 8 bits.

Los gráficos eran grandes y llamativos , el movimiento, actualmente, resulta algo mecánico y rígido, pero en su momento nos parecía adecuado; así como la velocidad.

El momento cumbre es cuando hay un intercambio de golpes y el público ruge y los flashes de las cámaras fotográficas aparecen.

Lo mejor del videojuego eran las opciones. Podías elegir a tu personaje, tantos las características físicas —color del pelo, la piel y calzón—, como el tipo de boxeador que iba a ser. También, antes de disputar el combate, podías repartir los días que quedaban a las distintas disciplinas de entrenamiento, según las cualidades de tu boxeador. Si tu boxeador era fuerte, pero lento, podías trabajar la velocidad; y viceversa. A medida que ganabas combate ibas avanzando en la clasificación.

Al igual que en los demás videojuegos deportivos —Match day II, Match point, por poner un par de ejemplos— la jugabiliadad aumenta a modo dos jugadores. Antológicos los combates que mi hermano y yo disputábamos aquellas calurosas tardes de verano en las que no teníamos mucho más que hacer.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Stephen King y yo: "Cell"

2012-01-25T00:07:00.004+01:00

Había decido no leer ninguna de las novelas de Stephen King publicadas después de mediados los noventa, pues todos mis intentos por encontrar una novela escrita por el maestro del terror más allá de finales de los setenta y, sobre todo, pasada la década de los ochenta, que me satisficiese y no me dejase un sabor amargo y desagradable en el paladar, consecuencia directa de la decepción y de la incredulidad sufrida durante la lectura, habían resultado infructuosos.

King fue el primer escritor del género que me gustó –luego vendría Poe, y quedaría irremediablemente enamorado de la literatura de Terror.

Por todo lo expuesto, tras leer unas cuantas novelas del escritor de Maine que no me gustaron nada, a pesar de que empezaban bien –“Insomnia” “Desesperación” y “El Cazador de sueños”-; pero que luego se desinflaban de tal forma, que finalizar su lectura resultó todo un suplicio –dato curioso, pues si King tenía un don, este era el de ser capaz de entretener y enganchar al lector-, tomé la decisión de –como ya he comentado en el primer párrafo- no leer nada que no fuese de la que creo que es su época dorada, los ochenta.

Entendedme, nunca había tenido problemas para leerme en un breve período de tiempo un libro escrito por él, y no verme capaz de hacerlo me dejó tocado. Por poner un ejemplo, tuve una especie de sosa epifanía en la que tomé conciencia de que uno de mis escritores favoritos había perdido el talento, similar a la que los niños sienten cuando descubren que sus padres no son dioses, sino solo meros hombres; e incluso, puede que solo hombres mediocres. Cómo era posible que tuviese que obligarme a leer una obra de un autor que idolatré en mi adolescencia, teniéndome que marcar una rutina diaria –como hacía con las lecturas obligadas del colegio.

Sí, resultaba difícil aceptar que quien me había dejado con la boca abierta con novelas brillantes –o eso me parecieron cuando las leí- como “Carrie”, “Misery”, “It”, “El resplandor”, “La zona muerta”, “Cementerio de animales” o “Los Tommyknockers”; quien me hizo disfrutar enormemente de novelas que –sin considerarlas tan buenas como las anteriores- disfruté muchísimo, como “Apocalipsis”, "El juego de Gerald" o “La tienda”, podía haberse convertido en un escritor profesional en el peor sentido de la palabra; es decir, alguien capaz de cumplir con las fechas y publicar un par de libros al año –más sus guiones, artículos, relatos, etc.-, pero sin ofrecer nada nuevo ni ilusionantes a quienes –como yo- crecieron leyendo sus novelas.

Por eso mismo, cada cierto tiempo peco, y me leo una novela reciente de Stephen King, pues he de reconocer que deseo fervientemente recuperar la King de antaño y disfrutar como lo hice con sus primeras novelas. Aunque también temo releer dichas novelas, y darme cuenta de que quizá me parecieron geniales debido al poco bagaje como lector que tenía por aquel entonces. Sea como sea, la verdad es que no puedo remediarlo, y últimamente menos todavía, siempre vuelvo a probar con King.

Decidí darle una oportunidad a “Cell” porque era una novela de pocas páginas –así, si era mala, no sufriría demasiado- y porque sentía curiosidad por saber qué podía aportar King al género, siendo un gran amigo de quien prácticamente inventó a dichos seres: George A. Romero.

Mi gozo en un pozo. La novela empieza bien, aunque la prosa me parece demasiado descuidada. Un autor de cómics vende su primera novela gráfica, hecho que puede dar un giro enorme a su vida. Entonces, Clay Riddell -así se llama el protagonista- decide celebrarlo tomándose un helado, y de pronto se desata un Apocalipsis zombi. A partir de este instante, la novela adopta un cariz interesante y, también -por desgracia-, comienza a parecerse a otra de sus novelas: ““Apocalipsis”. Hecho que le perjudica bastante, ya que “Cells” parece una mala copia de “Apocalipsis”.

La trama que se plantea es interesante en un principio, así como los personajes –un grupo mucho más reducido que en “Apocalipsis”-; pero justo cuando parece que la historia que se nos narra va ponerse interesante, la novela se acaba. Es como si Apocalipsis la hubiesen concluido cuando todos los personajes emprenden su viaje iniciático. No tiene sentido.

Los protagonistas de “Cells” emprenden un viaje con el propósito de rescatar a su hijo, y de pronto, como si King se hubiese cansado de la novela –después de ofrecernos unos cuantos buenos capítulos-, acelera la trama de una forma mecánica y artificiosa –introduciendo un personaje calcado al villano de “Apocalipsis”, pero sin ningún carisma- y nos ofrece una final edulcorado y plagado de fallos arguméntales que resulta poco convincente. Además, por si esto fuera poco, llegado el momento de conocer el motivo por el que algunos seres humanos se transforman en una especie de violentos zombis vivos después de recibir llamadas telefónicas, el escritor de Maine les exige demasiado a los lectores –o al menos eso me pareció a mí-, exponiendo una premisa ridícula y carente de todo rigor científico -cosa que no tendría porque jugar en su contra, si no fuese porque es una teoría que suena estúpida incluso si esta fuese viable.

Podría seguir analizando la novela, pero no puedo decir nada bueno de ella. Y seguir lapidándola, duele como cortarte con un cuchillo de cocina. ¿Mi conclusión? Si King retomara la trama antes del absurdo giro que conduce a un final precipitado, quizá podía ofrecernos algo interesante. Pero como eso no va a ocurrir nunca –creo-, solo puedo decir que nos encontramos ante otra evidencia que demuestra que es muy probable que al maestro King se le hayan secado las ideas.

Como sigo tropezando con la misma piedra, pasados unos meses, volví a recaer, y esta vez me leí “Un saco de huesos”. Pero como diría otro de mis autores favoritos, eso ya es otra historia.

“Daley Thompson's Decathlon”, versión Amstrad CPC 464

2012-01-24T00:05:00.000+01:00

Elige ropa y un calzado cómodo. Ata tus zapatillas con tino. Calienta adecuadamente. Concéntrate. Hoy te enfrentas al mayor reto de tu vida. No puedes dejar escapar esta oportunidad. Tienes que ganar la medalla de oro y demostrar que eres el atleta más completo del mundo. Revive las hazañas de un campeón olímpico: Daley Thompson.

Ya hemos hablado de simuladores de fútbol —“Match day II—, de tenis —Match point—, de coches —3D Grand Prix—; y ahora le toca el turno, a uno de atletismo.

Este tipo de videojuegos hicieron estragos, literalmente, en los microordenadores y los accesorios de miles de usuarios. Pues consistían en martillear las teclas, alternativamente, —o mover a izquierda y derecha la palanca del Joystick—, a la mayor velocidad posible. En las máquinas recreativas, bastante más resistentes, podías entregarte con pasión. Pero en casa, las broncas que nos llevábamos, los chiquillos de aquella época, cuando entraban nuestros padres, y nos veían, ahí, pegados a la pantalla del microordenador, con la vena del cuello hinchada, presionando, bruscamente, las teclas, como energúmenos, mientras poníamos caras de posesos, fueron monumentales.

Cuántas palancas dejaron de funcionar, cuántas ventosas se arrancaron de cuajo, cuántas teclas quedaron hundidas o desencajadas… y aún así, cuántas tardes de gloria deportiva, y diversión, nos dieron estos disimuladores deportivos.

¿Qué tenemos que hacer en este videojuego? Muy sencillo.

Participaremos en diez pruebas que comprenden la modalidad de Decathlon: 100 metros lisos, salto de longitud, lanzamiento de peso, salto de altura, 400 m, 110 m valla, lanzamiento de disco, salto con pértiga, lanzamiento de jabalina y 1500 m lisos. Y tratar de obtener la mejor clasificación posible, en cada una de ellas.

Los controles son sencillos. Dispones de dos teclas, las cuales tienes que pulsar, alternativamente, una y después otra, a la mayor velocidad que seas capaz. En algunas pruebas —salto de longitud o 110 m valla, por citar dos ejemplos— tenemos que pulsar un tercer botón, en el momento justo en el que queramos saltar.
En lo que se refiere al apartado técnico, decir que el movimiento está más logrado en la versión para Spectrum, que para Amstrand CPC, la cual ofrece una mayor calidad gráfica y unos correctos efectos sonoros ambientales.

Es un videojuego adictivo, que compite por ser el mejor simulador deportivo con otro gran clásico de los 8 bits, “Hyper Sport”, así como con sus respectivas segundas partes. Obviamente, no hace falta decir, que dedicaré un artículo a las dos partes de “Hyper Sport” y a la segunda de este “Daley Thompson's Decathlon”.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Lego 10212 Imperial Shuttle

2012-01-23T00:05:00.005+01:00

Siempre he sido bastante torpe para enfrascarme en el maravilloso mundo de la maquetas, por lo que siento muchísima admiración por quienes han nacido con el don de la paciencia y una mente capaz de desentrañar los galimatías incomprensibles que sirven como guía para montar las piezas.

Yo soy una mente caótica, mi socio Álvaro es una mente ordenada; quizá por eso nuestra amistad parece abocada a perdudar por los siglos de los siglos, al igual que los proyectos nacidos de la unión de nuestras respectivas cabezas pensantes. Ojalá algúno día seamos capaces de crear aquel proyecto soñado, que nos sirva para compartir un espacio laboral, y no solo artístico.

Por todo lo expuesto anteriormente, he decidido compartir con todos vosotros un magnífico video donde vemos como cientos de pequeñas piezas -aparentemente inconexas y esparcidas por la cama- se ensamblan hasta conformar un impresionante modelo de "Imperial Shuttle", perteneciente al Star Wars encuadrado en el universo Lego.

Espero que disfrutéis viéndolo, tanto como yo lo hice en su momento.

”Mañana, cuando la guerra empiece”, de Stuart Beattie

2012-01-19T03:02:00.001+01:00

Con el atentado del once de septiembre de 2001, los ciudadanos estadounidenses —arengados por su gobierno— comenzaron a temer un ataque enemigo en su propio territorio. La paranoia, disipada tras el fin de la Guerra Fría, volvió a instaurarse en la sociedad americana. Este hecho, digno de estudio, ha provocado que aparezcan varias producciones cinematográficas, que especulan sobre lo que sucedería, si una potencia extranjera invadiese suelo estadounidense. Y la moda se ha extendido por otros países que no están acostumbrados a los conflictos bélicos y viven en un aparente clima de paz y prosperidad.

”Mañana, cuando la guerra empiece” es la adaptación de una novela juvenil australiana, que se apropia de dicha premisa, para hablarnos del tránsito hacia la madurez, de un grupo de jóvenes inmersos en un conflicto armado.

Los personajes, estereotipados, carecen por completo de profundidad. Sus acciones no están justificadas y sus reacciones cambian en función de las necesidades de la película. En ningún momento tienes la impresión de estar asistiendo a un viaje interior y exterior; a una traumática pérdida de la ingenuidad, como se empeñan en poner de manifiesto los personajes, valiéndose de diálogos poco sutiles y artificiosos, cada vez que tienen oportunidad.

Los momentos de mayor tensión son resueltos con sorprendente torpeza, tanto argumental como técnicamente. Existen dos secuencias cruciales en la película, cuyo impacto en los espectadores debería ser brutal, y que están resultas de modo burdo.

La primera de estas secuencias es cuando los jóvenes descubren que realmente ha estallado una guerra en su idílico pueblo y toman conciencia de que se encuentra metidos de lleno en un escenario bélico. Basta visionar el arranque de Amanecer Rojo (Red Dawn; 1984) —dejando a un lado las connotaciones políticas, claro— para darse cuenta de cómo se puede contar algo similar con muchísimo más brío y emoción. Con aquella inolvidable secuencia inicial, en la que los paracaidistas rusos inundan el cielo de un pueblecito de sur de Estados Unidos, John Milius consigue que el espectador se quede aturdido, casi traumatizado, ante lo que acaba de ver. En “Mañana, cuando la guerra empiece” el espectador tiene que hacer denodados esfuerzos por creerse lo que está sucediendo en la pantalla y sentir cierta empatía con los personajes.

La segunda secuencia, es la del puente, donde —dado lo complejo y peligroso de la misión que afrontan los protagonistas— el espectador tendría que seguir los hechos que se desarrollan en la pantalla con un nudo en el estomago. Pero el guionista y director de la cinta se limita a ofrecernos un espectáculo de acción vacuo y carente de tensión. Ojalá Stuart Beattie hubiese revisado la secuencia final de El puente sobre el río Kwai (The Bridge on the River Kwai;1957)”, antes de acometer el rodaje de la secuencia más importante de su película. Tal vez así, habría logrado plasmar una décima parte del grado de emoción y suspense que destilan los majestuosos fotogramas rodados por el maestro David Lean.

“3D Grand Prix”, versión Amstrad CPC 464

2012-01-18T02:06:00.023+01:00

El olor del combustible se mezcla con el sudor que derramas a borbotones. El calor dentro del casco es sofocante. El ruido de los motores, a pesar de los tapones, resulta ensordecedor. Los brazos te duelen a rabiar. Pero no dejes de presionar el pedal del acelerador. Tienes que apurar la frenada más aún, si es preciso. Trazar las curvas por dentro. Arriesgarte a chocar contra un adversario, adelantándolo por donde apenas hay espacio. Proclamarte Campeón del Mundo de Formula 1. Vencerlos a todos.

Al igual que sucede con otros dos simuladores deportivos, de los cuales ya hemos hablado —“Match Point” y “Match day II”—, este esplendido videojuego sentó lo que serían las bases para desarrollar un buen simulador de carreras de coches; concretamente, de monoplazas de formula uno.

Este videojuego fue desarrollado por la compañía “Amsoft", la cual nos ofreció un puñado de buenos programas, los cuales son dignos de aparecer en esta batería de artículos dedicados a los 8 bits.

En su momento, allá por 1985, cuando pudimos disfrutar de las carreras en primera persona, gracias a este espectacular simulador en nuestro Amstrad CPC 464, no nos podíamos creer lo bueno que era. Y eso que, como ya comenté en mi análisis de “Rock 'n Wrestle”, por aquel entonces teníamos un monitor de tonos verdes y no pudimos maravillarnos con la esplendida paleta de colores que posee este videojuego.

Resulta sorprendente la excelente impresión que me ha causado este videojuego más de veinte años después de haberlo jugado por última vez. Presentía que, como me ocurrió, por ejemplo, con el mencionado “Rock 'n Wrestle”, mi percepción infantil, mezclada con la nostalgia, hubiesen tergiversado mis recuerdos acerca de este videojuego; pero nada más lejos de la realidad. Cuando lo puse a correr en mi emulador de Amstrad CPC 464, quedé estupefacto. El videojuego conserva toda la magia de antaño.

Obviamente, nada tiene que ver con los simuladores de coches actuales, los cuales han llegado a un nivel de realismo impecable, gracias a la potencias de los procesadores actuales. Pero los gráficos de “3D Grand Prix” mantienen su vigencia, y resulta atractivo, incluso hoy. Recordad que este videojuego se hizo para los microordenadores de 8 bits.

El color —así como su calidad gráfica—, como ya dije, es su baza más fuerte. La perspectiva es la misma que tendría un piloto de fórmula uno, sentado frente al volante de su monoplaza de carreras. La información que nos proporciona el salpicado es sencilla y fácilmente comprensible. El control del vehículo es bastante intuitivo, aunque se necesita un tiempo para adaptarse a la conducción y comenzar a competir por los primeros puestos.

El detalle de poder cambiar de marchas, cuando el marcador de cuenta revoluciones y el sonido del motor nos lo indican, aumenta la sensación de "realismo" y hace que el videojuego se torne más interesante. La dificultad está muy ajustada. No es un videojuego sencillo, pero con práctica podremos progresar con relativa facilidad.

Lo más complicado —al igual que ocurre en las carreras que vemos retransmitidas por televisión— son los adelantamientos. Si chocamos contra otro coche, nuestro monoplaza se detendrá; y entonces, tendremos que reducir marcha, acelerar de nuevo y reincorporarnos a la carrera; perdiendo un tiempo precioso en el proceso. Lo que nos hará perder posiciones, sino andamos diestros.

No sólo podremos ver la carretera y el paisaje de fondo, sino que, a través de los espejos retrovisores, podremos situar a los monoplazas que nos siguen de cerca, y pretenden adelantarnos.

El único "pero" es que nos tenemos que dedicar a competir, y ya está. No hay más opciones en lo que se refiere a la elección de circuitos, de coches, de categorías… opciones que se añadirían en los simuladores que salieron después y que, al menos en lo que se refiere a la jugabilidad y la calidad gráfica, muy pocos lograron superar a“3D Grand Prix”.

Por último, cabe señalar el excelente sonido de este simulador: oímos el motor, los frenazos, los golpes…

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Match Point, versión Amstrad CPC 464

2012-01-17T00:34:00.000+01:00

A este simulador de tenis le ocurre con su iguales exactamente lo mismo que a “Match day II” con los de fútbol, sentó las bases de lo que debería ser un buen videojuego de tenis; y durante muchísimo tiempo fue considerado el mejor de su género, a pesar de que hubo otros que poseían una mayor complejidad técnica y un número mayor de opciones.

La perspectiva que utilizan hoy en día los simuladores de tenis es exactamente la misma que utilizaron hace más de veinte años los programadores de “Match Point”. Y si hay una cosa que prima en este programa, es su asombrosa jugabilidad, así como su austeridad en lo que se refiere al sistema de juego.

En este videojuegos podemos cambiar la trayectoria de la bola al golpear con nuestra raqueta la pelota, simplemente, pulsando las teclas o moviendo el joystick en una determinada dirección al mismo tiempo que presionamos el botón de disparo. La sombra de la pelota nos facilita la posición de la misma, a la hora de devolverla a nuestro rival.

Y ya está. No hay más. Y es de agradecer, porque lo que demostraron otros videojuegos, aparentemente más sofisticados, es que un exceso de posibilidades —como por ejemplo el punto de mira que usaron muchos de los videojuegos que le siguieron— resta jugabilidad al juego.

Los gráficos eran bastante buenos para el momento en que apareció este videojuego. En la versión Amstrad, una vez más, destacaba el colorido. Además, esta versión ofrecía una ambientación sonora rica, dadas las limitadas posibilidades sonoras de los microordenadores de 8 bits.

Destaca la presencia de los recogepelotas, que cada vez que la pelota tocaba la red o no la superaba, salían corriendo, agarraban la pelota y cambiaban su puesto con su compañero.

Recordaba que me resultaba muy sencillo manejar a los tenistas, pero cuando he vuelto a jugar en el emulador de Amstrad, me he dado cuenta de que, como ya he hecho mención en otros videojuegos clásicos, se necesita echarle unas horitas para adquirir soltura y disfrutar de verás de este fantástico simulador.

Pero una vez te haces con los controles, y golpeas la pelota con criterio, en lugar de pulsar como un loco el disparo, con el propósito de dar a la pelota de cualquier forma, resulta extremadamente sencillo volverte a sumergir en este magnífico simulador y rememorar las tardes que pasábamos de críos pegados a nuestros microordenadores.

Como ocurre en la mayoría de los videojuegos deportivos, la diversión se multiplica cuando en lugar de jugar contra la máquina, nuestro oponente es un buen amigo.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Batman, de Tim Burton

2012-01-16T00:06:00.003+01:00

Las películas de Christopher Nolan han eclipsado las dos interesantes versiones que en su momento rodó Tim Burton. Pues, aunque en su momento la película me decepcionó y me pareció de una calidad inferior a cualquiera de las obras en las que se basaba —“La Broma Asesina”, “Batman: The Dark Knight” o “Batman: año uno”—, he de reconocer que “Batman” está envejeciendo de una forma esplendida. No me extrañaría que, de aquí a un tiempo, se convirtiera en todo un clásico del séptimo arte. ¿Por qué? Pues porque las virtudes son mayores que los defectos y detrás de la cámara se encontraba un artesano y no un director con oficio.

El guion tiene bastantes fallas y adolece de la intensidad necesaria para que temamos por la vida de Batman. Aunque todos sepamos que el héroe no puede morir, necesitamos sentir que quizá pueda ocurrir lo imposible y este pueda perecer en alguno de sus salvajes enfrentamientos contra los villanos y sus hordas de esbirros —al menos, mientras presenciamos la proyección—. De no ser así, notaremos la trampa y nos limitaremos a esperar, indiferentes, a que la palabra “Fin” aparezca en la pantalla. El ejemplo de lo que digo, se puede encontrar en “The Dark Knight”, rebosante de momentos inolvidables, de esos que te ponen la piel de gallina y te hacen estremecerte en la butaca.

La elección del protagonista generó mucha controversia en su momento —como ocurrió, sin ir más lejos, con Heath Ledger—. El tiempo demostró que Michael Keaton era una buena elección para dar vida a Bruce Wayne.

Batman parece, a veces, un hombre disfrazado, y no el mismísimo Batman. Nolan, al contrario que Burton, acertó con la forma de moverse y pelear del Hombre Murciélago, así como de la teatralidad que requiere la puesta en escena. Pero, claro, Nolan ya contaban con un precedente válido, mientras que Burton partía casi de cero.

La personalidad de Bruce Wayne apenas está desarrollada. Tampoco existen duelos interpretativos de altura, a pesar del magnífico plantel de actores.

Entre las virtudes de la cinta, se puede destacar, por encima de todo, la portentosa recreación de la ciudad de Gotham. Es tal su fuerza en pantalla, que uno la percibe como un personaje más dentro de la trama. Ni siquiera Nolan ha conseguido recrear Gotham City de un modo tan apropiado.

Y qué decir, de la mítica banda sonora orquestada por el genio de Danny Elfman.

Digno de mención, también, la forma de rodar de Burton. Componiendo planos prodigiosos y utilizando un montaje fluido, con reminiscencias del mejor cine negro; lo que dota a la película de un inmejorable aroma clásico.

Y por último, quizá lo mejor de “Batman”: la colosal interpretación de Jack Nicholson. Quien nos ofrece un Joker maravilloso que, por desgracia, todos se empeñan en comparar con el de Heath Ledger; siendo ambos acercamientos al villano excepcionales e incomparables.

La primera reseña de "Los nuevos mitos de cthulhu"

2012-01-12T00:05:00.000+01:00

Pues ya ha salido una completa reseña de “Los nuevos mitos de Cthulhu”, donde se analizan uno a uno todos los relatos copilados en la antología, en el blog “La Torre del cuervo”.

Pinchad aquí, si queréis leerla.

Noche de miedo (remake), de Craig Gillespie

2012-01-10T00:15:00.000+01:00

De la infinidad de remakes que nacen en Hollywood, la mayoría están condenados al olvido. Pues el tiempo es un juez implacable; ya que este nada sabe de taquillas ni de promociones.

Pasada la moda y los fuegos de artificio, las películas tienen que defenderse por sí mismas, sin intermediarios ni campañas de marketing; y es ahí, precisamente ahí, donde se desmoronan esta clase de proyectos.

La industria de Hollywood no escarmienta, y se olvida de que no basta con mejorar los efectos especiales y añadir más ruido y explosiones para lanzar un buen producto al mercado.

Esta introducción tan larga tiene como único propósito contextualizar la innecesaria película que nos ocupa: "Noche de Miedo", dirigida por un poco inspirado Craig Gillespie.

La película es un Remake de la homónima "Noche de miedo", estrenada en 1985. Una cinta de terror que no está envejeciendo tan bien como otros fims coetáneos... pero que desborda energía, originalidad, talento, personalidad y supera con creces a su remake en lo que se refiere a calidad cinematográfica. No obstante, la dirección y el guion corrieron a cargo de un jovencísimo y prometedor Tom Holland, antes de que el fulgor de su estrella comenzase a languidecer.

Colin Farrell es un actor con dotes interpretativas suficiente para encarnar a un personaje insano que desprende un magnetismo animal. Pero no puede hacer milagros. No basta con la presencia física, se necesitan escenas bien escritas.

Quitando el protagonista, Anton Yelchin, el resto del reparto ofrece actuaciones bastante pobres. Ninguno de los personajes resulta creíble; por lo que nos cuesta implicarnos y empatizar con el peligroso acoso al que se ve sometida la familia por parte del supuesto vampiro.

La trama se desarrolla demasiado rápida, como si el director quisiera sacar el conejo de la chistera lo antes posible, como si estuviese más interesado en la acción desenfrenada que en jugar con el suspense implícito en la historia. Como resultado, la tensión dramática es nula. No se aprovecha la relación fascinación/repulsión entre los personajes de Yelchin y Farrel, ni las enormes posibilidades que la premisa inicial posee para construir un asfixiante film de suspense.

A destacar poca cosa: los homenajes a la original, como la mano engarrada o la manzana, entre otros detalles; el primer tramo de la secuencia de la persecución en el desierto, aprovechando al máximo la tecnología 3D -innecesaria en la casi totalidad de la cinta-; no se hace pesada ni demasiado aburrida; tiene algún chiste suelto y gag visual divertido -hecho que sería positivo, si no fuera por los cientos de chistes o gags restante que maldita la gracia que hacen-; tiene un par de sustos buenos; y poco más.

Concluyendo, el remake de "Noche de Miedo" es tan poco brillante como lo fue el de "Pesadilla en Elm Street" -por citar alguno de los que se han perpetrado en los últimos años-; y su único propósito es captar la atención del público adolescente, ofreciéndoles un producto bonito por fuera y vacío por dentro.

Rock 'n Wrestle (Melbourne House) (1985), versión Amstrad CPC 464

2012-01-05T00:41:00.003+01:00

La portada era fabulosa

Este videojuego —junto con la mayoría de los videojuegos con la opción de dos jugadores— fue uno de los que más jugué cuando era niño. Y fue así por dos motivos; por el ya mencionado, es decir, siempre disfruté más compartiendo las partidas con otra persona —en la mayoría de los casos, mi hermano—; y porque en aquel momento estaba de moda la WWF gracias a la aparición de un nuevo canal de televisión en España, llamado “Telecinco”, el cual retransmitía los combates de lucha libre los fines de semana, creo.

Y este videojuego de lucha libre era el único que existía por entonces. Años después, aparecería el videojuego oficial de la WWF, con un nivel gráfico muy superior al “Rock´n Wrestle”, pero que, en mi opinión, al menos en la versión Amstrad, era demasiado lento y su jugabilidad dejaba bastante que desear.

La verdad es que nunca pude probarlo en otra versión porque la única oportunidad que tuve de hacerlo fue en casa de un amigo, en un Spectrum 128, y no logramos que funcionara aquel día ni la primera carga. Y eso, que era original. Nos pasamos un mediodía entero intentando cargarlo, pero se nos hizo tarde y cada uno debía comer en su casa para ir al colegio por la tarde. Después no surgió otra oportunidad, por unas cosas u otras.

Además, el WWF fue uno de los videojuegos que empezó a tener cargas interminables y como casi siempre se estropeaba al final, provocaba que creciera en ti un alto grado de frustración y un desdén inimaginable hacia el videojuego que te había hecho perder horas para luego no poder jugarlo.

De todas formas, ahora, gracias a los emuladores, lo volveré a probar en Amstrad CPC, y escribiré un análisis más objetivo.

Y lo haré, principalmente, porque me he llevado una enorme decepción al revisar “Rock´n Wrestle”.

Un lastima que este videojuego no resista un análisis obviando el enorme cariño que le profeso, debido a que me hizo pasar tardes enteras jugando; enfrentándome a mi hermano, en aquellos combates inolvidables, que trataban de emular lo que acabábamos de ver en la televisión.

La pantalla de carga me sigue gustando

Creo que no lo he contado, pero debido a que el monitor del Amstrad CPC 464 era muy caro en color, allá por mediados de los ochenta, mis padres nos compraron uno en verde fosforito. En su momento, cuando era un niño, envidiaba a aquellos que compraron el de color. Pero ahora, pasados los años, muchas veces, cambio la configuración del emulador para jugar a mis clásicos de 8 bits de la misma forma que lo hacía cuando era niño.

Así veía yo los juegos en mi casa

De hecho, cuando los veo en color, cosa que hago para poder ofrecer un análisis más completo de los videojuegos, me resultan distintos, como si esos no fueran los videojuegos que amé en mi infancia. En mi memoria, aquellos videojuegos eran de tonos verdes. Y ahora, salvo, por ejemplo, “The way of the exploding fist”, “Camelot Warriors” o “Army Moves, que en color ganan muchísimo, la mayoría de los videojuegos me gustan más con la configuración de pantalla en verde.

Y “Rock 'n Wrestle”, no es ninguna excepción a la regla. Pues el color, demasiado pixelado y estridente, afea el acabado gráfico y le da al conjunto un aspecto horrible. En verde, al menos se suaviza un poco la fuerte impresión que causa el pobre colorido.

Lo mejor del programa son los diseños de los personajes, pero me refiero solo al atuendo. Porque la calidad gráfica es algo pobre, vista hoy en día. Los movimientos son lentos y las animaciones poco fluidas.

Destaca el aspecto tridimensional que ofrece el videojuego y los 25 golpes que podemos efectuar. Los efectos de sonido son bastante rudimentarios y poco vistosos. La jugabilidad, en su día, me pareció prodigiosa; ahora, me parece escasa.

Volver a jugar a este videojuego, que en sus momento me maravilló —aún recuerdo cómo molaba subirte a la esquina del ring, saltar encima del contrario caído y propinarle codazos mientras te burlabas de tu compañero de partida y te vanagloriabas de tu destreza como luchador— ha sido una experiencia dura. Pues el programa ha envejecido muy mal. Siendo, hasta el momento, el videojuego de 8 bits que más me ha decepcionado de todos los que he vuelto a jugar en la actualidad.

Mi Amstrad CPC era como este.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Match day II, versión Amstrad CPC

2012-01-03T11:39:00.000+01:00

Puro fútbol ochentero

“Match day” fue publicado por “Ocean Software” —empresa inglesa de videojuegos, y una de las mejores dedicadas a los 8 bits—, allá por 1987, y desarrollado por quien es considerado uno de los programadores más importantes de aquellos tiempos: Jon Ritman. Los esplendidos gráficos corrieron a cargo de Bernie Drummond y el revolucionario sonido fue obra de Guy Stevens.

Cabe señalar, para quien no lo sepa, que en aquella época la creación de videojuegos no era tan mastodóntica como ahora. Bastaban de una a cinco personas, para desarrollar un videojuego completo; y la mayoría, se hacían en pequeñas oficinas e, incluso, en las propias casas de los programadores, con presupuestos irrisorios.

Para que quede claro lo innovador que fue este programa de fútbol, no hay más que echar un vistazo a las últimas versiones del “Pro Evolution Soccer” o del “FIFA”, y darse cuenta de que la perspectiva que utilizan es exactamente la misma que estableció Jon Ritman en el primer “Match days”, hace más de veinte años. No sé si lo sabéis, pero hubo un tiempo que la perspectiva que parecía que se iba a imponer para los videojuegos de fútbol —sobre todo en las máquinas recreativas— era la cenital.

El maestro Jon Ritman

Además, “Match days II” fue uno de los primeros videojuegos —por no decir el primero— que ofrecía la posibilidad de alterar el aspecto de los jugadores —podíamos cambiarle el color de piel y de camiseta— y nos permitía jugar una liga o copa —pudiendo, gracias a una clave de caracteres, guardar partidas; cosa impensable, hasta el momento—. También era el primero que hacía que los jugadores fueran sólidos y se pudiese cargar al contrario; nos daba la posibilidad de controlar la potencia del disparo, nos dejaba manejar al portero, dar taconazos y, quizá, la opción más adictiva del juego: jugar con dos jugadores en el mismo equipo.

Visto ahora, fuera de contexto, el grafismo puede resultar pobre a primera vista. Recordad que se hacían juegos con 64 Kbytes; menos de los que ocupa un documento de dos hojas de Word. Por entonces, la máquina que más Kbytes tenía era el Amstrad CPC 6128 —128 Kbytes—, y la que menos, el Sinclair ZX Spectrum —48 Kbytes—. Aunque lo normal, era los 64 Kbytes —MSX, Amstrad CPC 464 o Commodore 64. Pero si sois capaces de dejar a un lado los prejuicios, y os echáis unas partidas, no me cabe la menor duda, de que vais a disfrutar de lo lindo. Resulta increíble como Jon Ritma supo exprimir al máximo los 8 bits de los microordenadores de la época, para ofrecernos un divertidísimo videojuego, el cual asentó las bases de lo que estaba por venir.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

He- Man, Skeletor y el tigre de combate

2012-01-02T00:12:00.000+01:00

Espectacular ilustración de los personajes clásicos

Hace pocos días, en vez de escribir –que es lo que debía hacer- me puse a trastear por Internet, sin saber muy bien qué buscaba-; y sin darme cuenta acabé buscando información sobre unos muñecos que fueron mi pasión durante mis primeros años de vida, y de los que aún conservo la mayoría. Estos muñecos ochentenos no son otros que los “Masters del Universo” -en España- o “Los Amos del Universo” –en Sudamerica.

Y cual fue mi sorpresa al ver, más de veinte años después, el anuncio de televisión que me indujo a pedirle a los reyes a He-Man –todavía me acuerdo como un amiguito de clase se río en mi cara porque le dije que mi hermano me había dicho que la traducción era “El Hombre”-, Skeletor y el tigre de combate de He-Man.

Visto ahora resulta algo ridículo –sobre todo por He-man, que Skeletor no queda mal del todo-, pero en su momento me quedé de piedra y sólo podía pensar que quería esos muñecos… y el castillo de Grayskul también, claro. Pero eso jamás ocurrió, me tuve que limitar a fabricarme uno con tres cajas de cartón y a disfrutar por un día o dos –no lo recuerdo- el castillo que me dejó un vecino.

Cuando aquel enero de principio de los ochenta me regalaron esos tres muñecos comenzó una aventura inolvidable…

Aparte del anuncio dedicado a He-Man hay varios más dedicados a otros juguetes coetáneos. Espero que hagáis un ejercicio de nostalgia, y lo comentéis si os apetece.

101 MICROZOMBIES , de Julián Sánchez Caramazana

2011-12-30T00:05:00.001+01:00

La ilustración corre a cargo de nuestra colega de Nocte Ana Morgana

Con las prisas y el jaleo de este mes, no he podido dedicar una entrada a una gran noticia. Mi colega de Nocte Julián Sánchez Caramazana ha publicado la tercera novela de la línea Zombis Digitales, de Galisgamdigital. Su precio es de sólo 1,42 €.

Así que, a qué estáis esperando, comprad el ebook.

Pinchad sobre la imagen y os enlazará con la tienda en la que suelo comprar yo, porque es la que ofrece más facilidades para descargar los archivos comprados.

Y recordad que por poco más de 2 € podéis comprar “Gangsters Zombies” y por menos de 1 € “Baena Z (2ª parte: Testimonios)”.

Parque de atracciones de Madrid

2011-12-29T00:10:00.001+01:00

Este es el parque que yo disfruté de niño

Durante los veranos de mi niñez había un mes –agosto- en el que siempre estábamos solos mi hermano y yo, porque los escasos niños que aún no se habían ido al pueblo –nosotros nunca tuvimos pueblo, y tampoco nos importó demasiado- se marchaban.

No fueron todos los veranos, pero sí la gran mayoría de ellos.

Recuerdo que mis amigos pensaban que me aburría como una ostra, porque no había niños con los que jugar; pero la verdad es que me lo pasaba de miedo –aunque también había momentos para el aburrimiento, claro.

Además en agosto ocurría lo que llevaba esperando todo el año: nuestros padres nos llevaban a mis hermanos y a mí al parque de atracciones, para celebrar nuestro cumpleaños. Al principio nos llevaban una vez por cumpleaños, luego solía ser una vez por año, para celebrar los tres cumpleaños.

Si os fijáis bien podéis ver el cine 3D, el Látigo, el Uranus, el Twister...

Recuerdo que -ya más mayorcito-, cuando comentaba que a mí no me regalaban nada de cumple, sino que iba al parque de atracciones, algunos amigos míos pensaban que había tenido mucha suerte por ir tres veces al parque, porque la entrada costaba bastante dinero –más con la calco o la pulsera que te permitían subir a todas las atracciones-; cosa bastante curiosa porque, claro, nuestros padres nos llevaban al parque de atracciones, pero jamás fuimos de vacaciones en nuestras vidas como iban ellos cada verano.

Sólo acompañamos a nuestro padre una vez, de muy pequeños, porque trabajó unos días en Alicante, y mientras el trabajaba nosotros íbamos con nuestra madre a la playa -aunque apenas me acuerdo de eso-; y luego, ya con trece o catorce años, cuando dejamos de ir al parque de atracciones, porque mis hermanos eran mayores y preferían estar con sus amigos, fuimos de vacaciones cinco días a Torrevieja.

Supongo que los padres de los demás niños gastaban más dinero viajando fuera o yendo a los pueblos durante casi todo el verano -más los regalos de cumpleaños- que mis padres llevándonos al parque de atracciones.

Fuese como fuese, ahora sé que mis padres hacían un tremendo esfuerzo económico para llevarnos, porque nunca hubo mucho dinero en casa.

Esto ocurrió desde los ocho o nueve hasta los doce –si no recuerdo mal-, y para mí ir al parque de atracciones era lo mejor que me podía pasar.

Mi hermano y yo, que siempre íbamos corriendo de atracción en atracción, estábamos la mayor parte del tiempo solos. Mis padres se quedaban en el merendero o iban con mi hermana, mucho más cauta –por no decir cagueta- que nosotros por aquel entonces.

La de veces que nos montamos mi hermano y yo en los 7 picos

Una de las cosas que más me gustaban era que le había prometido a mi hermano que cada año que fuéramos, iba a montarme en una atracción nueva, y así fui montándome en todas las atracciones que se inaguraron en el parque; excepto en el Katapult, que siempre me dio demasiado miedo y tuve que buscar cientos de excusas para no hacerlo.

Cuando se inaguró el Katapult, mis hermanos y yo recogíamos las monedas que caían de los bolsillos

Para concluir mi primera entrada relacionada con el parque de atracciones, os dejo un video que encontré buscando imágenes y videos del parque de atracciones de mi niñez, cuando todavía se parecía más a una feria que a un parque temático.

Espero que lo disfrutéis tanto como yo lo hice. El video me trajo a la memoria un montón de recuerdos.

Si os ocurre lo mismo, os invito a dejar vuestros comentarios.

Y desde aquí, nada más. Basta deciros que iré añadiendo entradas que versen de las atracciones de aquella época, salpicadas con algunas anécdotas personales, con el propósito de contextualizar los hechos.

Número 4 de la Revista de Usuarios de AMSTRAD

2011-12-28T00:05:00.026+01:00

Los sueños se cumplen a veces, no de la manera que esperas, pero se cumplen.

Siempre quise escribir en una revista de cine, y gracias a Luis Rosales ahora formo parte del equipo de redacción de Scifiworld. Quién me lo iba a decir.

También quería publicar novelas y antologías, y ahora lo hago con cierta regularidad.

Pero lo que nunca podía imaginar es que iba a cumplir un sueño más estrafalario aún y en teoría mucho más complicado: cuando leía la revista Micromanía, siendo un canijo, soñaba con escribir algún día en ella.

En este caso me pasaba lo mismo que con mi sueño de escribir en una revista de cine, mi vida se vio abocada, por una serie de circunstancias que no vienen al caso, a seguir otro camino mucho menos convencional.

Sin la carrera de periodismo, pensaba que jamás podría escribir en ninguna revista, tratase la temática que tratase.

Pero la vida da muchas vueltas.

No, no escribo para Micromanía; pero este mes hemos conseguido resucitar una revista dedicada a los que son –y fueron- usuarios de Amstrad, y he podido colaborar con una serie de críticas de juegos clásicos de Amstrad CPC. Lo que me hace sentir muy bien; esto debe de ser lo más parecido a viajar en el tiempo. Yo escribiendo críticas de juegos de una máquina que ya no existe comercialmente, y que marcó mi infancia de una forma rotunda.

La verdad es que en el aspecto literario no me puedo quejar. La guinda sería poder vivir de lo que escribo y dedicar todo mi tiempo –o la mayor parte del mismo- exclusivamente al noble arte de la palabra. Ya se verá.

Algunas de las críticas de los juegos de Amstrad CPC, ya las he publicado en el blog, ya que pensaba que al final no iba a salir la revista. No sé si las retiraré o no; depende de lo que pretendan mis compañeros de la revista R.U.A (revista de usuarios de Amstrad) y de la periocidad que pretendan mantener.

Para leer el número 4 de la revista de usuarios de Amstrad -la revista es gratuita-, pinchad sobre la imagen de la entrada o sobre la que aparece en la columna de la derecha.

Para bajar los demás número -cosa que recomiendo- pichad aquí.

Me alegro de no haber escuchado a quienes me decían que perdía el tiempo en chorradas, pues éstas me están sirviendo de mucho y llenan mi vida de un modo que nunca hubiese imaginado, cuando el mundo me parecía un lugar mucho más jodido.

Spiderman 3, de Sam Raimi

2011-12-27T03:01:00.000+01:00

El tiempo es el mejor aliado del cine. Las películas, como los buenos vinos, necesitan reposar. A menudo un film es vilipendiado de forma injusta en el momento de su estreno, y después se redescubre. Y eso le ocurrirá, en cierta medida, a “Spiderman 3”; sino tiempo al tiempo.

Para contextualizar la crítica, empezaré por decir que cuando salí del cine la primera vez que vi esta película sólo podía pensar en que era un bodrio y que Sam Raimi había echado por tierra todo lo que había hecho en las dos películas anteriores.

Ahora, pasado el tiempo, empiezo a cuestionarme que quizá fui algo injusto y me dejé llevar por el aficionado a los cómics que soy desde hace más de veinte años.

Cierto que “Spiderman 3” tiene un guion endeble y contradictorio, plagado de escenas de humor inoportunas y carentes de sentido. Cierto que no aporta nada el hecho de relacionar a Flint Marko con la muerte del tío Ben; al contrario, devalúa a sus predecesoras, restando credibilidad y dramatismo a lo ocurrido en la primera y en la segunda película. Cierto que las escenas de acción son demasiado largas; con lo que se pierde intensidad dramática y se desperdicia un precioso metraje, que podía haberse dedicado al suspense, a recrudecer los conflictos interiores de los personajes o a darle más peso en la historia al capitán Stacy, a su hija Gwen o a Eddie Brock. Cierto que Veneno está metido con calzador en la trama –se dice que por imposición de los ejecutivos del estudio- y que se cuenta en diez minutos lo que daría para una película entera. Cierto que el traje del duende verde es horroroso. Cierto que el bailecito de Parker nunca debió filmarse…

Pero también es cierto que Spiderman se mueve como nunca lo había hecho antes en pantalla; que hay composiciones –como la de la pelea en el furgón blindado o en la alcantarilla- calcadas de los mejores cómics; que el triángulo Peter, Harry y Mary Janes está bien hilvanado; que las secuencias que comparten Tia May y Parker están muy bien escritas; que el ritmo de la película no decae en ningún momento; que el tema de que un gran poder conlleva una gran responsabilidad sigue siendo el leitmotiv de la historia; que la decadencia de Harry es correcta y la actuación de James Franco acertada; que Tobey Maguire interpreta a Parker con tanta solvencia como en las anteriores cintas y que no tiene la culpa de que el guion sea malo.

“Spiderman 3” es una película floja, pero no es el producto nefasto del que todos hablamos; hay películas muchísimo peores, y que no tienen tan mala fama.

Las expectativas hicieron que muchos la juzgáramos de forma descarnada cuando nos encontramos con algo distinto a lo que esperábamos, como ha ocurrido –y ocurrirá- otras muchas veces. Los espectadores y críticos tendemos a endiosar y a condenar con demasiada facilidad.

Ni Raimi eran tan bueno, ni ahora es tan malo.

Presentación de "Los nuevos mitos de Cuthulhu"

2011-12-26T07:30:00.027+01:00

Os dejo unas cuantas fotos de la presentación de “Los nuevos mitos de Cuthulhu” que tuvo lugar el pasado jueves en el Fnac de Xanadú, Navalcarnero.

Rubén Serrano a la izquierda de la imagen, Daniel en el centro y yo a la derecha.

Respecto a la presentación en sí, sólo resta darle las gracias a los asistentes –que espero que disfruten con la lectura de la antología- y a Rubén Serrano –coordinador de la misma-, a quien ha sido un placer conocer por fin en persona; así como a los roleros Víctor y Dani –éste último se atrevió a subirse con nosotros para presentar el nuevo juego de rol de “La llamad de Cuthulhu”- de la asociación ‘Ludo Ergo Sum’, con quienes espero echar una partida de rol en alguna de sus jornadas, aunque llevo más de una década sin jugar y estoy algo oxidado.

Rubén Serrano hizo una gran introdución del universo de Lovecraft

Para concluir, decir que fue una pena que Javier Quevedo Puchal no pudiese asistir porque se le complicó el día y que también fue una lástima que no hubiera más tránsito por el lugar donde estaba ubicado el forum –algo escondido y aislado de la sección de libros donde se encontraba.

El público asistente mostró un gran interés por la temática del encuentro

Pero habrá más presentaciones –espero- y seguro que podremos disfrutar todos de la presencia de Javier y de una mayor afluencia de personas ajenas a los autores.

Rubén firmándole un ejemplar al alcalde de Navalcarnero, quien tuvo el detalle de asistir a la presentación.

Reseña de "Gangsters Zombies" en "Infectados"

2011-12-21T07:32:00.003+01:00

Esta es la primera reseña que aparece de "Gangsters Zombies"; y encima el análisis de mi obra es positivo, lo que me satisface más aún.

Recordad que podéis comprar el ebook por sólo 3 euros pinchando sobre la columna de la derecha, donde pone "Comprar Gangsters Zombies". Si tenéis alguna duda al respecto, comentarlo, y trataré de aclarárosla.

La encargada de analizar mi novela ha sido Maku, del blog “Infectados”.

Si queréis leer la reseña en cuestión, pinchad aquí.

Army Moves, versión Amstrad CPC

2011-12-20T00:05:00.000+01:00

Otra vez analizamos un videojuego publicado por “Dinamic”, y creado por el talentoso Víctor Ruiz. Lo cual no hace más que confirmar la enorme repercusión que tuvo esta compañía española en la industria de los videojuegos de 8 bits, y el desbordante talento de un programador que, en la actualidad, dicen, trata de sacar adelante un remake de “Navy Moves”.

Este programa, aparecido en 1986, permitió que la compañía española penetrara en el férreo mercado inglés; aunque “Abu Simbel Profanation” había allanado previamente el camino.

“Army Moves” fue un éxito internacional, en toda regla, y la primera parte de una saga mítica —aunque inconclusa—, compuestos por el citado videojuego, más “Navy Moves”, “Arcti Moves” y una quinta parte que se iba a llamar “Desert Moves” y que jamás fue publicada.

Por desgracia, “Arcti Moves” salió la luz en un momento equivocado, en medio de la transición de los 8 a los 16 bits —cuando la mayoría de las empresas españolas de videojuegos estaban desapareciendo—, lo que le condenaría a sufrir un fracaso comercial, que pondría, de manera anticipada, punto y final a la saga. Pues a pesar de que la tercera parte, para los 8 bits, aún hubiera resultado un producto atractivo; para los 16 bits, se quedaba un poco atrás, desfasado, ante la avalancha de los nuevos títulos que empezaban a surgir por aquel entonces; los cuales sacaban un mejor rendimiento a los procesadores emergentes y a las herramientas gráficas de Amiga, Atari o PC.

Lo primero que hay que destacar de este videojuego —como ya comenté en el análisis de “Camelot Warriors”— es la magnífica carátula, firmada por Alfonso Azpiri; que sin ser uno de sus mejores trabajos, logra transmitir, sin apenas elementos, una gran fuerza y dinamismo.

Pero pasemos a analizar el videojuego.

Nos encontramos en medio de un conflicto bélico y nuestra misión es superar los cuatro niveles de la primera carga; y después, los dos que conforman la segunda.

El videojuego comienza situándonos al volante de un jeep que debe recorrer un maltrecho puente, plagados de agujeros, por los cuales podemos caer —si no saltamos a tiempo—, mientras destrozamos, a base de misiles tierra-tierra y tierra-aire, los vehículos terrestres y aéreos que tratan de darnos caza.

Cuando lleguemos al final del puente, accederemos al segundo nivel, donde tendremos que pilotar un helicóptero, y evitar ser derribado por los enemigos que nos acechan, al mismo tiempo que descargamos más misiles, en medio de la refriega.

En el tercer nivel, retomamos el jeep. En el cuarto, nos ponemos de nuevo a los mandos del helicóptero. Ya en el quinto, seguiremos el caudal de un río, plagado de peligros, armados sólo con una metralleta y una cuantas granadas, mientras saltamos de roca en roca y evitamos los feroces ataques de varios animales salvajes. En el sexto, vamos a tener que infiltrarnos en una base enemiga, infectada de soldados enemigos.

Al final, tendremos que movernos por el interior de la base y llegar a una habitación, donde se encuentran, escondidos en el interior de la caja fuerte, los documentos secretos que tanto sudor y sangre nos ha costado.

La versión de Amstrad CPC destacó, cuando apareció, por la calidad de los gráficos y el esplendido colorido, siendo muy superior a las versiones de 16 bits.

Nos encontramos con un programa que reúne todas las cualidades y defectos de la mejor época de “Dinamic”. En lo positivo, destacamos el alto grado de adicción, la elevada calidad gráfica —de la que ya hemos hecho mención— y el suave scroll. En lo negativo, sobre todo, la endiablada dificultad, lo que provocaba que algunos jugadores se frustrasen y desistieran de seguir intentando no morir a las primeras de cambio.

Por último, reseñar la música que sonaba durante el juego —al menos en la versión para España—, que si bien escuchada ahora nos puede resultar algo desquiciante; en su momento, proporcionaba a la historia una atmósfera de película de acción, propia de los ochenta, que nos ayudaba a sumergirnos, más aún si cabe, en la trama bélica.

Como con el resto de videojuegos analizados, lo he vuelto a jugar y a disfrutar; y me resulta curioso como, siendo unos críos, éramos capaces de pasarnos varias pantallas de este dificilísimo arcade. Aunque, también, he de confesar que yo nunca logré llegar a la tercera carga sin valerme de Pokes o cargadores.

Recuerdo que, sobre todo en los niveles del jeep, mi hermano conducía y yo disparaba los misiles. He oído que otros, lo que hacían era elegir una misma tecla para los misiles tierra-aire y tierra-tierra. A mí, nunca se me ocurrió; qué le vamos a hacer.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Los nuevos mitos de Cthulhu ya a la venta

2011-12-19T07:00:00.002+01:00

Con cierto retraso, os anuncio que ya se puede comprar la antología “Los nuevos mitos del Cthulhu”, donde aparece mi relato “Sean bienvenidos… a su horrible final”. Esta antología está publicada por Edge Entertainment, con el propósito de conmemorar el treinta aniversario del juego de rol “La Llamada de Cthulhu”.

Además os invito a asistir a la presentación de este libro, la cual tendrá lugar el día 22 de diciembre, a las 19:30 horas, en el Fnac de Xanadú, Móstoles, Madrid. Donde estaré con dos de mis compañeros escritores de Nocte: Rubén Serrano y Javier Quevedo Puchal.

Podéis comprarlo en las tiendas físicas que lo distribuyan o pinchar sobre la imagen de la columna de la derecha y solicitarlo por correo. Cuesta menos de diez euros y tiene más de 300 páginas con ilustraciones.

Espero que os guste.

Alerta roja, juego de tablero de CEFA

2011-12-16T01:43:00.001+01:00

El “Alerta roja” fue el primer juego de tablero que me regalaron para reyes, cuando tenía –creo- 9 años; y por ello, le tengo especial cariño. Aún lo conservo, casi inmaculado, a pesar de que jugué muchísimo con él.

Y si no fuera porque durante casi diez años su caja permaneció sellada y olvidada en un armario del dormitorio que compartí con mi hermano, y las gomas que sujetaban las tarjetas se consumieron y se quedaron parcialmente adheridas al cartón, seguiría estando en perfecto estado.

Siempre he sido obsesivo con el cuidado de los cómics, los juegos de mesa y los muñecos… quizá por eso aún conservo muchos de mis juguetes de la infancia. Dios, cómo me duele que mi padre regalara mi Amstrad CPC 464 de monitor verde fosforito.

Durante mí infancia los juegos de CEFA se tornaron preciosos frutos, y el “Lepanto” –inalcanzable deseo de mi niñez, que quizá solvente en mi madurez- una suerte de ansiado vellocino de oro del infante que más de veinte años después escribe un texto que no le hará justicia –lo sé- a lo que viví.

Recuerdo la infinidad de años que escribía a los reyes pidiéndoles que me trajeran el “Lepanto”, y éste nunca llegaba. Por desgracia, no pude verlo más que en las fotografías que aparecían tras los tableros de las cajas grandes de la casi totalidad de juegos publicados.

Los años pasaron, crecí y los juegos de tablero fueron apartándose de mi ocio diario. Lo cual ocurrió por dos motivos. El primero fue que mis hermanos y yo pasábamos menos tiempo juntos, lo que dificultaba la tarea de encontrar jugadores con los que disfrutar de las excelencias de los clásicos CEFA.

Sobre todo mi hermano, mi principal cómplice en los largos veranos, con quien recuerdo antológicas partidas al “Drácula” y mi pleno de derrotas al “Estratego” –que no era de CEFA, pero que nos permitió pasar días enteros, en la época estival, enfrentándonos en desigual batalla, y olvidarnos del aburrimiento y del calor-. Pues mi hermana nunca compartió nuestras aficiones.

Como curiosidad, he de reconocer que, a pesar de que el “Estratego” me encantaba, y hoy día me sigue pareciendo un juego fascinante –y me alegra que sea uno de los pocos que se sigue editando-, soy el peor jugador de la historia. Todo el mundo me gana al “Estratego”. Si no juego más, es por frustración, no por falta de ganas. Las veces que he ganado se pueden contar con el muñón de una mano.

La falta de tiempo compartido con mis hermanos, y el hecho de que no me sedujera la idea de sacarlo a la calle, para jugar con mis amigos en el portal –cosa que hice en contadas ocasiones-, me abocaba a buscar el ocio en la lectura, el dibujo y los videojuegos de 8 bits –aunque estos últimos no los disfruté nunca tanto como lo hacía cuando jugaba con mi hermano.

El otro motivo que provocó mi distanciamiento con estos maravillosos juegos tiene que ver con el cambio de mentalidad de los niños de entonces –condicionado por los creativos y los estudios de mercado de las empresas de entretenimiento, imagino-. Los juegos de tablero desaparecieron de las estanterías de las tiendas. Primero fueron arrinconados por otros juegos más vistosos –y bastante menos artesanales-, como fueron “Operación”, “Tragabolas”… La mayoría de MB; y luego dejaron de fabricarse.

Pero centrémonos en el “Alerta Roja”. Decía que este juego de tablero me lo trajeron los reyes como sustitución del “Lepanto”; y tras la decepción inicial, pues hasta el último momento siempre esperaba que el juego que escondiese el papel de regalo fuera el del “Lepanto”, quedé absolutamente hechizado por la impresionante ilustración de aquel bidón radiactivo con una calavera en su interior que adornaba la caja grande.

Breve inciso:

Los juegos de CEFA se podían comprar en caja pequeña y grande. La diferencia era substanciosa en lo que se refiere a la calidad de las piezas y a las dimensiones y el material del tablero. En el “Alerta Roja” la calavera –creo- que pasaba de ser una ficha troquelada de cartón cutre con el bidón dibujado a un impresionante bidón de plástico con la calavera en su interior. Las piezas de los jugadores eran unos vistosos detectives de colores en la grande, mientras que en la caja pequeña no eran más que fichas redondas como las del parchís. El tablero en la caja grande era más grueso y de mayor tamaño.

Normalmente, mi hermano y yo comprábamos con nuestros ahorros los de caja pequeña –“Misterio”, “Dagón”- y los de caja grande nos los regalaban, pues la diferencia de precio era bastante elevada. Creo recordar que el “Dagón” en caja pequeña nos costó menos de mil pesetas –creo que 875 pesetas, aunque puede que me equivoque, ya que era mi hermano el encargado de efectuar la compra; yo me limitaba a pegar la cara al escaparate durante la cantidad ingente de meses que dedicábamos a ahorrar, rezando para que nadie se nos adelantara, pues en aquella época no sabía que las cosas se reponían, y lo comprara-. En lo que respecta a las reglas y el desarrollo no había ningún cambio.

Fin del inciso.

Las reglas eran sencillas, aunque lo mejor era jugar con gente de confianza, pues era muy fácil hacer trampas, porque dichas normas dejaban demasiado espacio a la interpretación. Los jugadores tenían que encontrar al Bidón radioactivo antes de que se les acabasen las cartas que les permitían moverse por el tablero. El Bidón tenía ventaja, pues sólo se mostraba su localización al final de cada cuatro movimientos, los cuales quedaban ocultos tras las tarjetas que empleaba el propietario del foco radiactivo, en un folio situado dentro de una vistosa carpetilla con huecos para colocar las correspondientes fichas de transporte. Además quien llevaba el bidón contaba con una tarjeta interferencia, la cual se podía usar como si fuera un coche, una lancha o un submarino, pero ninguno de los otros jugadores sabía qué había usado hasta el final de la partida. Y por si esto fuera poco, disponía de una tarjeta trampa, la cual le permitía desplazarse a cualquier casilla del tablero; ésta se solía usar cuando te veías acorralado.

Existían tres medios de transporte: coches –fichas negras-, lanchas -azules- y submarinos –anaranjadas-. Las que más se usaban eran las negras, es decir, los coches; pero con las que se podría recorrer distancias más largas era con las fichas submarino; aunque también existían menos casillas de submarino, que de lanchas y de coches, claro.

El tablero donde se desarrollaba la acción, compuesto éste por pequeños círculos numerados que se comunicaban entre sí, divididos en colores de forma aleatoria: negro; negros y azules; negros y naranjas; era una autentica obra maestra. Una delicia para la vista. Se supone que representaba el sistema de alcantarillado de una ciudad amenazada por la radiactividad. Recuerdo que me pasaba horas –cuando ya mis hermanos casi no jugaban conmigo-, con sólo el tablero, extendido sobre la cama, tumbado de costado, contemplando los detalles de aquella lúgubre representación, que siempre pensé que quedaba demasiado tapada por las casillas.

Como curiosidad decir que gracias a mi anuncio de que iba a empezar esta batería de artículos relacionados con CEFA, me he llevado la sorpresa de que el ilustrador de la mayoría de los juegos de CEFA se pasara por este humilde blog. Lo que me lleva a pensar la cantidad ingente de ilustradores y dibujantes españoles que hicieron una labor encomiable, proporcionándonos composiciones que desbordaban imaginación durante nuestra infancia, y a quienes nadie a reconocido como se merecen. Por eso trataré de poner mi granito de arena para que su legado permanezca, y se les reconozca como los grandísimos artistas que fueron, y son.

El ilustrador que nos brindó las maravillosas ilustraciones de CEFA –entre otras muchas cosas, que un servidor desconocía que fueran suyas-, se llama Isidro Monés, y recomiendo que os deis una vuelta por su blog -basta pinchar sobre su nombre-, donde vais a descubrir un montón ilustraciones que seguro que os sonarán pero que, probablemente, no sabíais que las había hecho él.

Otra vez me desvío del rumbo señalizado. Os pido disculpas, lectores del blog, pero me he dado cuenta de que estos artículos funcionan mejor escritos de forma anárquica, como bullen en mi cabeza los recuerdos imparciales.

Vuelvo al “Alerta roja”.

Tengo que reconocer que el juego a mí me gustaba muchísimo, pero que a mis hermanos nunca les gustó demasiado. Volví a jugar de mayor, y siguió gustándome. Quizá fuese por la nostalgia que despierta en mí. Puede ser, sí. Me resulta muy fácil recordar aquellos largos veranos en los que prácticamente nos quedábamos mi hermano y yo solos en el edificio –mi hermana nunca compartió aficiones con nosotros-, y nos dedicábamos los dos a ver el tour, a montar en bici de carreras, a jugar al Amstrad CPC, a visionar películas alquiladas o grabadas –quitándole los anuncios- en nuestro Beta primero, y luego en nuestro VHS; a jugar a las cartas de aviones, coches, tanques…; a leer cómics, a jugar a las chapas –ya fuera a la vuelta ciclista o al fútbol-; y a crear juegos nuevos –todavía me acuerdo del rugby con aquellos muñecos que no eran ni tan pequeños como los clicks de Playmobil ni tan grandes como los madelmans, y que no recuerdo ahora cómo se llamaban-, a jugar al baloncesto con maceteros o partidos de fútbol sin que botara con un globo en el salón de casa, tratando de no tirar nada… y otros juegos un pelín más peligrosos, como nuestros combates de boxeo en la alfombra con las protecciones de los puños que usaba mi hermano para Karate, durante los cuales se suponía que sólo se marcaba... aunque más de una me llevé.

La verdad es que cuando vuelvo la vista atrás, y recuerdo mi infancia, son los veranos en la ciudad, mientras todos mis amigos se iban al pueblo –apiadándose de mí, porque nunca me iba de vacaciones-, los más añorados.

Gracias a Internet estoy pudiendo recuperar un montón de cosas que no pude comprar en su momento o que perdí –que fueron pocas cosas, pero que según pasan los años más me duele haberlas perdido o regalado-. Por eso, os invito a pasaros por la web que se está encargando de recuperar todos los juegos de tablero descatalogados de CEFA –entre otras joyas-, y después de imprimir el tablero, las fichas y las tarjetas escaneadas, juntar unos cuantos buenos amigos y disfrutar de unos juegos de tablero que quizá no fueran el colmo de la originalidad –la mayoría estaban inspirados en otros ingleses o americanos-, pero que ofrecían in diseño cargado de imaginación y que además habían sido hecho íntegramente en España. No sólo hubo una “Edad de oro de Solf español”, sino que también existió una edad de oro de los juegos de tablero españoles”.

Espero que con esta entrada –y con las que vendrán-, logre que alguien recuerde o se atreva a echarse unas partidillas.

Para disfrutar de este juego -y de los demás que hablaré-, pichad aquí.

Si lo que queréis es comprar el juego, tendréis que explorar ebay, Amazón o cualquier otra tienda virtual; aunque creo que salen algo caros.

Fighting Warriors, versión Amstrad CPC

2011-12-15T14:17:00.000+01:00

La portada de Amstrad CPC es igual

En “Fighting Warriors” adoptamos el papel de un héroe legendario, quien, espada en ristre, avanza hacia delante, en medio de un peligroso desierto, mientras le salen al paso todo tipo de criaturas mágicas, cuyo único objetivo es impedirle rescatar a la princesa Thaya, quien, si no lo remediamos, será sepulcrada viva por el perverso Faraón en un templo situado en algún remoto lugar de Egipto, como sacrificio a los dioses.

Los oponentes acuden a nosotros de uno a uno. Cada vez que vencemos a una de las feroces criaturas —mitad hombre, mitad bestias—, así como un homúnculo de nosotros mismos, otras ocupan su lugar.

Cuando los certeros golpes de nuestra espada se cobran la vida de quien trata de darnos muerte, se materializa una pequeña botella, la cual nos proporciona un elixir que aumenta nuestra barra de energía, mermada tras la refriega.

El videojuego fue publicado por “Melbourne House”, la misma compañía que desarrolló el magnífico “The way of exploding fist” —bastante más logrado que este “Fighting Warriors”—. Aunque no es menos cierto que este programa fue vapuleado de forma desproporcionada e injusta por la crítica especializada a nivel internacional.

Tampoco era tan malo. A pesar de que es uno de aquellos videojuegos a los que el paso del tiempo no les está sentado demasiado bien; y que, jugado ahora, resulta bastante monótono, lento y con un Scroll demasiado brusco —que afea el videojuego y menoscaba la acción.

Quizá, lo que sigue destacando del programa —analizado en su contexto, claro— es la calidad gráfica, el tamaño y el diseño de los personajes y las excelentes animaciones. Lástima que la lentitud de los golpes perjudique la belleza de los movimientos, y vaya en detrimento de la cualidad más importante de un videojuego: su jugabilidad.

Tampoco quiero olvidarme de mencionar la banda sonora, de lo mejor que se ha hecho en 8 bits; aunque puede llegar a crispar los nervios.

Siendo un niño sentía pasión por este videojuego, por dos motivos. El primero de ellos, era que fue el primer videojuego original que pude señalar con el dedo, y que mi padre me compró, sin dudarlo, una hermosa mañana en el rastro de Madrid, porque estaba de saldo. Creo que costaba algo más de quinientas pesetas. Lo que deja claro, que fue un fracaso. Aunque en aquel momento lo único que me importaba era que me iban a comprar un videojuego original. Pues, normalmente, era mi hermano, quien elegía los videojuegos, ya que era el mayor, y siempre llevaba la voz cantante en lo que se refería a nuestro Amstrad CPC 464. También he de reconocer, que el videojuego que eligió él, aquel mismo día, “Barry McGuigan World Championship Boxing” —un estupendo videojuego—, le disfrutamos más que “Fighting Warrior”, principalmente, porque tenía la opción de dos jugadores.

El segundo motivo por el que sentía predilección por él, es que podía pasarme horas mirando la carátula, que me parecía una pasada. Y vista hoy, veintitantos años después, me sigue pareciendo una delicia la ilustración que adorna la portada.

Para concluir, quiero hacer mención al gráfista Russell Comte y al programador Stephen Cargill, principales mentes creativas de este videojuego, que, si bien no es un programa notable, no merece ser olvidado.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Saboteur, versión Amstrad CPC

2011-12-14T22:10:00.000+01:00

Versión inglesa

“Saboteur” fue desarrollado en 1985 por “Durell Software”. Recuerdo que cuando jugué por primera vez a “Saboteur”, en mi Amstrad CPC 464, me quedé fascinado por el tamaño y la calidad de los gráficos. Visto hoy en día, fuera de contexto, no resulta tan impresionante. Pero recordemos que estamos hablando de un videojuego que se desarrolló para microordenadores de 8 bits, y debe ser analizado teniendo en cuenta dicho contexto.

Aún así, hoy día, continúa conservando la magia de entonces, y aquel embriagador regusto a película de Ninjas modernos que tanto proliferaban allá por los ochenta, cuando salio el videojuego. Y no os equivoquéis, no es sólo un videojuego destinado a quienes lo descubrimos en nuestra niñez, porque aquellos que ni siquiera habían nacido por aquel entonces, si tienen una mente abierta y curiosidad por escarbar en la historia de los videojuegos, podrán pasar varias horas maravillosas, intentando completar esta magnífica historia de un Ninja infiltrándose en un peligroso complejo plagado de enemigos.

Lo primero que llama la atención, como solía ser habitual en aquella época, era la impresionante carátula original: un Ninja montado en moto, siendo atacado por un par de panteras. Aunque tampoco estaba mal la carátula que sacó Erbe en España: el mismo Ninja propinando una patada en el aire y disparando con una metralleta. ¡Qué más se podías pedir!

El inicio del videojuego te deja bien claro cómo va a ser el desarrollo del mismo. Un Ninja, en mitad de la noche, viajando en una pequeña balsa, que salta a unos metros del puerto, y luego sube por uno de los pilares de madera.

La experiencia de meterse en la piel del experimentado Ninja, en aquellos tiempos, se tornaba toda una aventura.

Tú misión es infiltrarte en una especie de almacén, o complejo enemigo, con el propósito de recuperar un disco que contiene un listado con los nombres de los líderes rebeldes. Luego, tendrás que escapar en un helicóptero, después de activar una bomba, antes de que ésta vuele todo el complejo.

Cuando empiezas el juego tienes una estrella Ninja, o más concretamente, un shuriken; que en las primeras partidas, cuando te estas haciendo con el control del teclado o del Joystick, siempre acababas disparando sin querer y desperdiciando. Pero una vez te adaptas al teclado, te resulta útil sirve para derribar a un enemigo a larga distancia.

Para completar el videojuego tenemos que recorrer el almacén, los túneles subterráneos y el centro de control —inolvidable cuando tomabas aquella especie de tren que recorría las profundidades.

Contamos con una barra de energía que merma a medida que sufrimos algún tipo de daño, ya sea una mala caída, golpes o ataques de cualquier índole, tanto de los guardianes como de los perros; o también si pasamos más tiempo de la cuenta bajo el agua. Se recupera energía descansando, durante un breve lapso de tiempo, en algún lugar donde no podamos ser agredidos.

Tenemos que estar pendiente de los dígitos de una especie de cuenta atrás, pues nuestra misión debe ejecutarse en un tiempo concreto.

Nuestro personaje puede realizar una gran variedad de movimientos: agacharse, saltar, ascender y descender escaleras, correr, propinar patadas en el aire, puñetazos, etc. También puede tomar objetos arrojadizos, como ladrillos, tubos, encontrados en estancias oscuras, montones de basura o cajas de madera.

Cuando nos infiltremos en zona enemiga, es importante desactivar las medidas de seguridad con las que cuenta el complejo en cuestión, para poder acceder a los distintos niveles.

Una opción interesante es la posibilidad de graduar el nivel de dificultad, cosa que se agradece, pues no sólo facilita que el jugador no se frustre enseguida, si no es capaz de avanzar en la aventura; sino que permite que los jugadores que hayan completado el videojuego, puedan alargar la vida del mismo, aumentando el nivel de dificultad.

Versión ERBE

En conclusión, “Saboteur” es una videoaventura, con elementos de puro arcade, perspectiva horizontal, gráficos detallados y grandes, buenas animaciones y muy adictivo.

Jugado hoy en día, le ocurre lo mismo que, por ejemplo, a “The way of the exploding fist”, es decir, sus movimientos resultan algo toscos y la respuesta de las teclas es mejorable.

Y luego, qué. Pues vendría una continuación que a mí, en su momento, no me gusto, pero dada las buenas críticas que recibió, tendré que probar en mi emulador de Amstrad CPC 464.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Almas condenadas, de Wes Craven

2011-12-14T01:14:00.000+01:00

La película es un fiasco, y de los grandes. No tiene nada digno de ser reseñado. El guion es previsible, la trama anodina, los diálogos absurdos y los personajes planos y faltos de carisma.

Esta nueva incursión en el género de terror no aporta absolutamente nada. No es más que un compendio de cosas ya vistas. Y lo más sangrante es que quien se encuentra al frente de la dirección no es ningún recién llegado, al que se le pueda perdonar haber realizado un film insufrible, sino que se trata del mismísimo Wes Craven —quien parece empeñado en destrozar la reputación de cineasta de culto que se ganó a pulso con sus primeros títulos.

Es una pena contemplar como quien fue considerado uno de los maestros del fantástico, intenta imitar descaradamente el estilo visual de sus aventajados pupilos, como si no entendiera que Rob Zombie o Alexandre Aja —por citar dos de los más destacados— han aprendido a hacer cine viendo sus películas y la de sus otros coetáneos —como Tobe Hopper o John Carpenter—, y que copiar su estilo resulta, cuanto menos, aberrante. A no ser, claro, que Craven haya perdido el rumbo y no sepa qué hacer con su carrera.

Adaptarse o morir, debe pensar el director americano.

Basta contemplar la escena inicial —indigesta y torpe— para darse cuenta de que va a ser difícil mantenerse los ciento siete minutos que dura la película sentado en nuestra butaca, y no salir espantado de la sala donde se proyecta la película.

El asesino en serie pretende estar a la altura de los clásicos, y para ello le han dotado de un aspecto similar a estos —un hombre corpulento, ataviado con una gabardina sucia y raída, portando una atractiva y peculiar navaja, con una larga y grasienta caballera y el rostro grotescamente deformado—, y no les llega ni a la suela de los zapatos. Ojalá lo hubieran hecho mudo también, pues tiene las líneas de diálogo más bochornosas de todo la cinta.

Los personajes se ajustan a los estereotipos de las películas americanas de adolescentes. El grupo de chicas monas y malas; el capitán del equipo de fútbol, y matón en sus ratos libres; la típica chica con aspecto de animadora, que se va con las malas, pero que en realidad es buena y le gusta el supuesto perdedor, interpretado por un chico guapo que quieren hacernos pasar por el alumno feo y marginado del instituto; el mejor amigo de éste, cuya relación con su progenitor es una mera excusa para justificar las fallas de un guion caprichoso, y quien se supone que se encarga de aportar el tono cómico a la trama, soltando una ristra de comentarios tan graciosos como indigestos; los dos amigos que sólo sirven para rellenar; la chica apocada y la fanática religiosa… y otros tantos —el policía, la madre preocupada, el director, etc.— tan planos como los nombrados anteriormente.

Por desgracia, nos encontramos ante una película mediocre que, por desgracia, tendrá una segunda entrega si hace dinero.

Bruce Lee, versión Amstrad CPC 464

2011-12-12T22:23:00.000+01:00

Nuestro cometido es completar las pantallas del castillo y recoger todos los farolillos distribuidos por las mismas, con el propósito de enriquecernos —sí, esto suena bastante raro; pero eso ponía en las instrucciones—, y descubrir, una vez finalicemos el videojuego, el secreto de la inmortalidad; el cual sólo es conocido por un malvado mago.

Pero la tarea no va a ser nada sencilla, ya que tendremos que enfrentarnos a dos temibles guardianes, sicarios del mago, quienes trataran de detenernos; y para alcanzar tal propósito, no dudarán en emplear mortíferas técnicas ninja o dolorosas llaves. Pues nuestros rivales no son otros que un experimentado asesino, maestro del Boken —bo: madera; ken: sable—, y un poderoso luchador de sumo, capaz de tumbarte con cualquiera de sus poderosos golpes.

Los gráficos son pequeños, algo toscos y simplones; pero desbordan carisma. El movimiento de los personajes resulta algo brusco y poco elaborado. La perspectiva que se nos ofrece es la lateral. Aún así, nos encontramos ante un videojuego de plataformas en toda regla, que logra enganchar al jugador, lo suficiente, como para que pasemos un rato agradable y nos olvidemos de los defectos citados con anterioridad.

Este videojuego, al contrario que otros de temática similar que le precedieron, integra todas las pantallas que recorremos en el mismo mapeado; es decir, cuando recogemos todos los farolillos, se abre una compuerta o se desplaza una barrera —ya sea en la pantalla en la que estamos, o en cualquier otra que hayamos pasado— y se nos permite acceder a otra estancia del castillo que comunica con la que dejamos atrás. Normalmente, en los juegos de plataforma, las pantallas eran exclusivas y no se comunicaban entre sí; cambiaban, desapareciendo una y apareciendo otra, a medida que superábamos niveles.

El elemento más original de “Bruce Lee” es la opción de jugar en modo dos jugadores. Pero no como estamos acostumbrados. Ya que uno de los jugadores tomará la identidad de Bruce Lee, y el otro, del luchador de sumo verde, cuya misión, como hemos comentado, no es otra que la de frustrar los planes de la estrella de las artes marciales hongkonesa y acabar con todas nuestras vidas.

Este videojuego es complejo de analizar, ya que estando plagado de defectos y no resultando muy vistoso tras una primera impresión —ni siquiera en la colorida versión de Amstrad CPC—, engancha, y de qué manera. Siendo éste uno de los videojuegos más adictivos de la época.

Pocas veces se consiguió tanto, con tan poco.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

The way of the exploding fist, versión Amstrad CPC 464

2011-12-09T23:18:00.000+01:00

Cuando “Melbourne House” publicó en 1985 este videojuego de Karate, supuso toda una revolución. Hasta el momento, al menos en España, sólo se conocía una recreativa que utilizaba este sistema de lucha, la cual se valía de dos palancas para realizar los distintos movimientos y golpes.

La posibilidad de disfrutar de un juego similar en nuestros microordenadores de 8 bits, sin gastarnos dinero con cada nueva partida, provocó que este programa de lucha se convirtiese en un videojuego deseado por todos aquellos que nos pasábamos las tardes enteras pegados al teclado o aferrados al joystick.

Los gráficos son excelentes, de un realismo encomiable para la época, y la velocidad tremendamente ajustada y sobresaliente.

Los karatekas pueden realizar hasta 16 movimientos distintos; que en la actualidad pueden parecer pocos, pero que en los primeros tiempos de la informática resultaba sorprendente el rendimiento que los programadores le habían sacado a la memoria de las distintas máquinas para las que se hicieron versiones.

Este videojuego nos sumerge en el apasionante mundo de los combates en el tatami.

Para escribir estas líneas, volví a cargar el emulador de Amstrad CPC 464 en mi PC —como suelo hacer con todos los videojuegos que reviso, ya que a veces la nostalgia confunde nuestro criterio— y tuve que practicar bastante para recuperar cierta soltura y comenzar a ganar combates.

Pues como ya he mencionado en otros textos, ésta era una cualidad común en la mayoría de los videojuegos de 8 bits. Sí, se necesitaba dedicarle tiempo a los videojuegos, para poder hacerse con los controles y empezar a disfrutar de verás.

Por aquel entonces, se pensaba que mientras más difícil fuera un videojuego, mejor, porque el jugador tardaría más tiempo en acabárselo y amontonarlo en la estantería con las demás cintas, discos o cartuchos. El inconveniente de esto era que no existía la figura del probador de videojuegos, y en muchas ocasiones la dificultad resultante era excesiva.

Cosa que no ocurre en este videojuego, donde una vez uno se adapta a los controles y a las reacciones de los personas, puede —y más a dos jugadores— disfrutar de los distintos combates de karate.

El mayor “pero” de este videojuego es que puede llegar a resultar algo reiterativo, pues todo se reduce prácticamente a combatir con tu contrincante.

Después de este “The way of the exploding fist”, el mercado se inundó de otros de temática similares; e incluso tuvo una segunda parte.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

El último exorcismo, de Daniel Stamm

2011-12-06T15:34:00.000+01:00

“El último exorcismo” logra hacer partícipe de la experiencia al espectador, gracias a una notable puesta en escena documental, estudiada al milímetro. Donde se nota el buen pulso del director, Daniel Stamm, quien para solo tener una película más en su haber, “A necessary death”, demuestra una madurez narrativa encomiable.

La excelente labor técnica de Stam, y de todo su equipo, se ve potenciada por un elenco de actores en estado de gracia. Quienes, saben hacer de la contención su principal virtud, y dotan, a sus respectivos roles, de la veracidad que requiere el tono realista de la cinta.

Patrick Fabian —quien da vida al protagonista, Cotton Marcus— es capaz de asumir todo el peso de la historia, sobre sus hombros, y salir airoso del envite. Su interpretación raya a gran altura, transmitiendo, en todo momento, los distintos matices de un personaje herido en su fe y con graves problemas de identidad. Un hombre religioso, un padre de familia, cansado y desesperado, que siente que ha desperdiciado toda su vida, entregándose, en cuerpo y alma, a prodigar la palabra de Dios; a pesar de las constantes contradicciones del mensaje religioso, que propugna como si fuera un showman, a sus entregados feligreses; y la fragilidad de algunos de los postulados sobre los que se asienta la Iglesia.

Merecen especial mención, las secuencias dedicadas a desvelarnos las artimañas, propias del exorcista, a la hora de engañar a los incautos creyentes, valiéndose de todo tiempo de burdos trucos, y psicología barata, durante el exorcismo.

La actriz que interpreta a la niña poseída, Ashley Bell, provoca autentico pavor, sin necesidad de maquillaje u efectos digitales. Impresionante la escena en la que ella, acurrucada encima de un armario, nos mira, fijamente, a través de la lente del objetivo del Cámara, mientras permanece en completo silencio.

Esta película consigue tener al público, en vilo, con el alma a punto de salírseles por la boca, deseando que pase algo enseguida, lo que sea, pero que pase. Todo, con tal de que obtener un momento de respiro, y prepararse para afrontar otra secuencia terrorífica.

Casi no recordaba la última vez que pasé miedo de verdad en un cine, y sentí la tensión de una forma tan física como en esta ocasión.

“El último exorcismo” no es una película de sustos al uso, es un film atmosférico y, sobre todo, de personajes. La desazón y la inquietud, así como la preocupación por los implicados en los sucesos, es lo que importa. Lo sobrenatural, queda en un segundo plano.

Lo que nos hace hundirnos en las butacas, lo que nos asusta de veras, es lo que intuimos, o creemos oír, y la sospecha de que, todo lo que ocurre, puede ser responsabilidad de un ser humano, y no de una identidad sobrenatural.

Pero lo dicho hasta ahora, se viene abajo, cuando, después de haber cerrado la trama de un modo bastante coherente, el director pone en entredicho la credibilidad interna del film, ofreciéndonos un giro argumental, que destroza la película.

Three Weeks in Paradise, versión Amstrad CPC 464

2011-12-06T13:28:00.000+01:00

El videojuego de 8 bits que voy a analizar ahora —publicado por “Mikro-gen”, en 1985— se puede considerar un curioso pionero de lo que bastantes años más tarde serían las aventuras gráficas de los 90 —de las cuales, soy un confeso enamorado.

En este espléndido videojuego adoptamos el papel del famoso, por aquel entonces, Wally Week; protagonista, en solitario o acompañado por su familia, de hasta cinco programas —todos ellos de una magnífica factura—: “Automanía”, “Pyjamarama”, “Everyone´s a Wally”, “Herbert´s Dummy Run” y este “Three Weeks in Paradise."

La trama de “Three weeks in Paradise” es bien sencilla: Wally se ha ido de viaje con Wilma —su esposa— y Herbet —su hijo— a una isla en el mar de la Alegría, de vacaciones. Pero ésta está habitada por una hambrienta tribu de caníbales. Así que, cuando empezamos la aventura, nuestro cometido es salvar a Herbert —quien se cuece en una olla a fuego lento, listo para ser el plato principal— y rescatar a Wilma —colgada boca abajo—, quien, si no lo remediamos, se convertirá en el postre, después de que el pequeñín sea devorado.

Para salvar a tu familia, tendrás que resolver un sinfín de puzles y manejar con tino los objetos repartidos por las distintas pantallas, mientras evitas que los enemigos que pululan por la isla —murciélagos, cocodrilos, cangrejos, caníbales, burbujas, y un largo etcétera— te quiten una vida con sólo tocarte.

La mecánica de juego es simple, pero efectiva e intuitiva. Podemos llevar como máximo dos objetos encima. La mejor estrategia es ir acumulándolos en una pantalla donde no haya peligros —no olvidéis que el tope, son cuatro objetos—; y luego, darles uso, a medida que vamos descubriendo para qué sirven.

Los gráficos son grandes y coloridos. La vista es lateral. Lo peor, quizá sea el scroll; ya que hay que salir de una pantalla, para aparecer en la siguiente. Lo que provoca, como ocurría en “Camelot Warriors” que, a veces, podamos perder vidas al chocar contra enemigos que no vemos.

La historia está plagada de golpes de humor —propios de los videojuegos protagonizados por esta familia—. Los enemigos estorban, pero no son muy peligrosos; aunque si te descuidas, te pueden quitar las vidas en un abrir y cerrar de ojos.

Se dice que es el videojuego más fácil de terminar, de todos los creados por “Micro-gen”; y, probablemente, estén en lo cierto. No porque “Three weeks in Paradise” sea demasiado sencillo de acabar, sino por los extremadamente complicados que son los demás. Pues confieso que a mí me dio muchos quebraderos de cabeza, y no sé si tuve que tirar en algún momento de las soluciones de la revista “Micromanía”.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Fong Juk (Exiled), de Johnnie To.

2011-12-05T00:46:00.000+01:00

Un indicador excelente a la hora de valorar una película, sin necesidad de poseer conocimientos técnicos, es constatar cuántas secuencias han quedado grabadas a fuego en nuestras mentes después de verla. Si no podéis quitaros de la cabeza una composición visual, un plano o una secuencia concreta, probablemente estéis ante un producto interesante.

Esta capacidad para contar las cosas de forma distinta a sus demás colegas y ofrecer momentos de puro cine, es una las cualidades más reseñables del director Johnnie To. Pues cada una de sus películas aglutina planos y secuencias inolvidables, capaces de poner el vello de punta a quienes las ven, y luego convertirse en recuerdos cinematográficos recurrentes. Todo ello sin olvidar la diversión.

Es increíble como Johnnie To, narrando historias tan sencillas como las que nos narra, puede dejar una marca indeleble en los espectadores. Pero el director hogkonés lo logra en cada nuevo proyecto que aborda. Y en “Exiled” riza el rizo, y la jugada le sale bien, siendo ésta quizá la mejor película del cineasta chino.

Nadie rueda como To. El director hongkonés ha logrado labrarse un estilo propio impresionante e inimitable. Convirtiéndose en un director de referencia, admirado, venerado y seguido por directores de la talla de Quentin Tarantino o Martin Scorsese, entre otros muchos.

El director hongkonés es capaz de manejar el tempo de sus películas de una forma deslumbrante; desnudar emocionalmente un personaje con un simple gesto, acompañándolo de un suave movimiento de cámara o ralentizando la acción; filmar la violencia con una frialdad extrema, o dotándola de una belleza épica, en función de las necesidades de la trama…

Un excelente plantel de buenos actores –habituales en las películas de Johnnie To-, como son Francis Ng, Suez Lam, Roy Cheung, Richie Ren, Nick Cheung, Josie Ho, y dos bestias de la interpretación: Anthony Wong y Simon Yam; una dirección rotunda y épica sin fisuras; una banda sonora prodigiosa y un guión donde no sobra nada… ¡Qué más se puede pedir!

Los personajes son los mismos que los de otra interesante película del director hongkonés, titulada “The Mission”; y su cronología vital se sitúa aproximadamente seis años después del final de dicho film –también muy recomendable; como casi toda la filmografía del director, quien hasta cuando hace una romántica, suele ofrecer un producto más que notable.

“Exiled” es un alegato, hermoso, rotundo y cruel, sobre el significado de la amistad, el amor y la lealtad. Y qué mejor forma de narrarlo, que utilizar como protagonista a un grupo de amigos que deben enfrentarse a la peor de las circunstancias: entregar su propia vida o la de uno de ellos, a quienes todos aman como un hermano.

Tamaña diatriba, deriva en una trama de acción desenfrenada, donde se intercalan secuencias de calma tensa y equívocos, para desembocar en un cruento y épico final, donde los pistoleros se convierten en elementos escénicos de una brutal coreografía.

Una obra maestra con ecos del mejor spaghetti western, protagonizado por un grupo de ronins modernos… Imprescindible

Phenomena on tour Madrid

2011-12-02T18:00:00.000+01:00

CRóNICA DEL PASE DE "REGRESO AL FUTURO" Y "CAZAFANTASMAS"

Después de varios meses arrasando en Barcelona, “Phenomena, The Ultimate Cinematic Experience” prueba suerte en Madrid, eligiendo una sede acertadísima, como es el cine Palafox –uno de los pocos cines clásicos que quedan aún en pie-, y con el propósito de consolidarse también en tierras madrileñas.

Y lo hace por todo lo alto, con un éxito de público apabullante.

Nunca pensé que podría volver a sentir el entusiasmo que experimentaba yendo al cine, cuando aún era un niño, a finales de aquellos maravillosos años ochenta. Pero el pasado domingo me olvidé de las preocupaciones propias de los adultos y me dejé llevar por la magia que inundaba el cine Palafox, gracias a un proyecto tan arriesgado como seductor, surgido de la mente de Nacho Cerdà.

“Phenomena, The Ultimate Cinematic Experience” pretende recuperar el ambiente que se respiraba en una época distinta, ni peor ni mejor, pero donde ir al cine era una experiencia inolvidable y única. Además, esta iniciativa es una forma de conseguir que los cines se adapten a los nuevos tiempos y puedan competir con los avances tecnológicos, los cuales amenazan su supervivencia.

Para recrear las sensaciones que experimentábamos en los ochenta, nada mejor que empezar con un emocionante video de presentación de “Phenomena”, plagado de los grandes momentos de aquel apasionante e irrepetible cine de género. Apoteósico el tramo en que apareció una secuencia de “Indiana Jones” seguida de otra de “La Guerra de las Galaxias”, y el público rompió en aplausos y alaridos de gozo.

La emoción comenzaba notarse en el ambiente festivo, y creció hasta que los espectadores nos convertimos en cómplices de una experiencia que sólo puede entenderse desde la nostalgia colectiva.

Muchos recordamos porqué el cine nos gustaba tanto de niños, cuando nos limitábamos a disfrutar de la película y no estábamos encorsetados por nuestras mentes adultas, incapaces de soñar y con una peligrosa tendencia al escepticismo.

En aquel tiempo todo era posible, la magia realmente existía, y los directores y guionistas de aquellas películas lo comprendían mejor que nadie.

Y de pronto, emergió la pegadiza sintonía de “Movierecord”, acompañando las imágenes –tarareada por un público entregado ya a la causa-. Ya no había vuelta de hoja. Habíamos viajado en el tiempo. Eran los años ochenta y tenía la impresión de tener menos de doce años.

A continuación, proyectaron unos cuantos anuncios de detergentes y panes de la época –con la presencia de Gracita Morales-; los cuales despertaron más de una carcajada y mohín de nostalgia.

Y antes de las esperadas películas, pudimos ver un conjunto de extraordinarios trailers cinematográficos: “Willow”, “Un hombre lobo americano en Londres”, “El secreto de la pirámide”…

Entonces, tras los trailers, lo que todo el mundo venía a ver: un estupendo pase doble, compuesto por “Regreso al futuro” y “Los Cazafantasmas”.

Qué más se podía pedir.

Nacho Cerdá ofició de maestro de ceremonias, y lo hizo cargado de buena voluntad y amabilidad. Supo calmar los ánimos cuando se produjo un pequeño problema técnico que retrasó un poco la programación, poner algo de cordura ante el excesivo entusiasmo de algunos asistentes y formular una pregunta, cuya respuesta valía el excelente cartel del evento –donde aparecían todos los personajes de las películas incluidas en el programa.

El público ovacionaba a los actores cuando aparecían por primera vez en pantalla. Inolvidable el estruendoso aplauso cuando se vio en pantalla a Christopher Lloyd o cuando todo el público cantaba al unísono “Ghostbuster”. Si hasta los coches protagonistas se llevaron una sonora ristra de aplausos.

Nacho Cerdá comentó que, probablemente, habrá más “Phenomena” en Madrid. La siguiente doble sesión –si no se producen cambios de última hora- será: “Alien” y “Desafio Total”.

Ojalá “Phenomena” se quede en Madrid, y extienda sus tentáculos cinematográficos por las demás comunidades.

Aprovecho estas líneas para lanzar una propuesta a los organizadores. Si Nacho, o alguna de las mentes pensantes detrás de “Phenomena”, leen este artículo –crónica sesgada y parcial de una experiencia personal-, me harían infinitamente feliz si programarán en algún momento: “Robocop” y “Conan”.

Camelot Warriors, de Dinamic

2011-12-01T09:31:00.000+01:00

La impresionante carátula del juego

No se puede entender cómo fue el mundo de los videojuegos de 8 bits, sin hacer especial hincapié en las impresionantes carátulas de los videojuegos; sobre todo, las del software español. Pues las compañías españoles tuvieron la inmensa suerte de contar con ilustradores de la talla de Alfonso Azpiri, capaz de crear pequeñas piezas de arte, cuyo destino no eran las salas de exposición ni las páginas de un cómic —que también—, sino ocupar las estanterías destinadas a salvaguardar nuestra preciada colección de cintas de casete, cartuchos o discos.

Basta echar un somero vistazo a la carátula de “Camelot Warriors”, para constatar un hecho irrevocable: lo primero que llamaba la atención del aficionado a los videojuegos de entonces eran las ilustraciones que adornaban las portadas —pues la información sobre el videojuego en cuestión, se reducía a la revista “Micromanía”, y poco más—. Recordad que era una época donde los gráficos no podían alcanzar las cotas de calidad actuales, debido a que se trabajaba con recursos muy limitados, y resultaba fundamental contar con un buen dibujo en la portada para atraer posibles compradores y avivar la imaginación de quienes los jugábamos.

Hace relativamente poco, por fin, ha aparecido un volumen que aglutina todas las carátulas ilustradas por Azpiriz, a todo color y con una muy buena calidad de impresión. El lujoso libro, titulado “Spectrum, El Arte para videojuegos de Azpiri”, está editado por la poderosa “Planeta De Agostini”, y se puede encontrar con cierta facilidad en cualquier librería.

Nostálgica portada de este maravilloso libro... algún día lo tendré en mi estantería.

Pero centrémonos en el videojuego que nos ocupa.

Pantalla de presentación

“Camelot Warriors” es un juego que se ha convertido en uno de los estandartes más destacados de lo que se dio en bautizar como “La edad de oro del soft español”, gracias al talento de los integrantes de una de las compañías más importantes de aquel tiempo, fundada por los hermanos Ruiz, llamada “Dinamic Software”.

El creador del juego no fue otro que Víctor Ruiz, uno de los pocos programadores de 8 bits que todavía sigue ligado al mundo de los videojuegos. Y digo esto, porque el infortunio se ha cebado con aquella irrepetible generación de jóvenes programadores, quienes aprendieron a programar de forma autodidacta y lograron, sin apenas medios, que los ojos de medio mundo se fijaran en el software español.

Víctor Ruiz allá por los inicios de la década de los 80

Cuando el videojuego carga, después de elegir las opciones del menú y disfrutar de la maravillosa banda sonora, empezamos la aventura siendo un apuesto y sagaz caballero armado de aspecto medieval que puede caminar, saltar y propinar poderosos mandobles con su afilada espada. Durante la partida tendremos que ponernos en su piel y enfrentarnos a toda suerte de criaturas maligna, que vienen y van por la pantalla —gracias a las rutinas programadas—, y cuyo contacto nos hará perder una vida de las siete con las que contamos al inicio de nuestra andadura.

Aunque, avanzada la aventura, nos veremos también transformados en una rana, que tendrá que sortear un sinfín de enemigos, saltando y esquivando, mientras se mueve por las turbias aguas que le llevarán al último nivel, y a recuperar su forma humana.

El fuego que no quema

La diversión está garantizada en este encomiable arcade de plataformas, cuya elevada dificultad puede desesperar a aquellos jugadores que no sepan cultivar la calma. Pues se necesita de muchísima práctica y paciencia para superar cada una de las pantallas; las cuales, al contrario de lo que ocurre ahora, carecen de scroll, lo que provoca que, a veces, al pasar de una pantalla a otra, no podamos evitar chocar contra un enemigo que se nos interpone constantemente.

La ambientación resulta muy eficaz, a pesar de que sea minimalista. Debido a lo cual, resulta sencillo sumergirse en el ambiente medieval de la historia.

La versión de Amstrad CPC, debido a que nuestro querido microordenador contaba con una amplia paleta de colores para la época, nos brinda un espectáculo para la vista. Además, de unos gráficos enormes, muy detallados y coloridos.

Los programadores exprimieron la máquina al máximo, y supieron dotar al personaje de movimientos ágiles y bonitos —a pesar de ser algo limitados; por ejemplo, no podíamos agacharnos o golpear por encima de nuestra cabeza—, y de una buena respuesta a las pulsaciones del teclado.

Con el monitor en fósforo verde, como el que yo tuve en mi casa

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Batman Año Uno, de Lauren Montgomery y Sam Liu

2011-11-30T18:00:00.000+01:00

He de reconocer que después de haber visto la totalidad de las adaptaciones realizadas por el equipo de animación encargado de trasladar las mejores historias impresas de DC a películas de 60 minutos –estrenadas directamente en Dvd o Blu- ray– tenía pocas esperanzas de que fuesen capaces de conseguir algo bueno basado en la obra maestra de Frank Miller y David Mazzuchelli.

Dos cosas me llevaban a temerme lo peor. Por un lado, estas películas parecen estar destinadas a un público mayoritariamente infantil, por lo que las historias más adultas se edulcoran hasta tal punto que terminan por perder el sentido para el cual fueron escritas y dibujadas. Por el otro, los flojos resultados de las restantes películas de animación –véase, por ejemplo, All Star Superman”- no inducen al optimismo.

Pero los peores defectos de las adaptaciones anteriores no se dan de una manera tan radical en ésta. “Batman: Año Uno” mantiene el tono sombrío del cómic. Incluso –aunque eso sí se viene dando en la mayoría de las demás adaptaciones– se utilizan los estupendos diseños de personajes y el peculiar estilo de dibujo del grandioso David Mazzuchelli –quien nos ofreció una de las imágenes más imponentes del murciélago jamás vista-; aunque, lógicamente, las imágenes cinematográficas no logran captar al cien por cien la atmósfera y la energía visceral que irradian todas y cada una de las viñetas que componen el cómic.

Temas tan peliagudos como la violencia física y la infidelidad se mantienen intactos en la trama. Si se hubiesen suprimido, con el propósito de evitar el enfado de algún padre o madre descerebrado, la historia no hubiese tenido ningún sentido. Quizá el único pero es que, como la película tiene que durar 60 minutos, la trama se antoja demasiado apresurada, y algunas secuencias hubiesen necesitado de un ritmo más pausado para funcionar.

Resulta un acierto conservar las voces en off y los puntos de vista paralelos de Bruces Wayne y Gordon, para darle el tono poético y de serie negra que caracteriza al cómic. La animación está bastante lograda –sin ser nada del otro mundo– y la atmósfera es acertada, como ya hemos comentado. Es importante también recalcar que se aprovecha el movimiento cinematográfico para darle una mayor importancia a las escenas de acción.

Los conflictos interiores de los personajes quedan claros. La película está editada de una forma muy clásica, sin saturarnos con la concatenación de planos. La banda sonora de Christopher Drake brilla con luz propia.

Los directores Lauren Montgomery y Sam Liu logran darle un aspecto teatral a las apariciones de Batman. Como ejemplos, basta señalar la puesta en escena del murciélago durante la cena de gala –donde comparten mesa y mantel mafiosos y políticos– o su primera pelea llevando el traje contra unos rateros de poca monta que apunto están de vencerle.

Ikari Warriors, versión Amstrad CPC 464

2011-11-29T11:09:00.000+01:00

No encontré la carátula para Amstrad CPC 464

“Ikari warrios” es un videojuego adictivo como pocos, con un nivel de dificultad bastante ajustado y unos gráficos excelentes para los varemos de los microordenadores de 8 bits. Magnífico el colorido de la versión para nuestro querido Amstrad CPC.

Como tantos otros videojuegos de la época, es una conversión de máquina recreativa, llevada a cabo, con excelentes resultados, por la compañía inglesa “Elite”.

Es importante recalcar que “Ikari Warriors” fue uno de los primeros programas de este estilo en introducir la opción de dos jugadores, lo que multiplicó la diversión.

El tamaño de los gráficos y de la pantalla es pequeño, pero la resolución gráfica es adecuada. El movimiento de los personajes es fluido. El teclado responde de forma ágil. El scroll avanza suave y la acción, constante, en ningún momento resulta caótica o confusa. La vista cenital es todo un acierto. La velocidad —talón de Aquiles de algunas versiones de Amstrad— está bien medida.

Puedes disparar o tirar granadas; y también puedes conducir tanques. Apoteósico, cuando te metes en un carro de combate y, mientras cubres a tu compañero guerrillero —situándote delante de él y lanzando cañonazos—, atropellas a los incautos soldados que, prácticamente, se te echan encima, como si no les importase el brutal destino que les espera entre los eslabones de la tracción oruga.

En el videojuego asumes el papel de uno de los dos soldados, de apariencia calcada a la de Rambo —de moda en aquellos años ochenta—; siendo el color de la cinta del pelo (verde y azul) el único elemento distintivo entre los dos jugadores. Es cierto, además, que aunque el diseño de personajes en lo que se refiere a los enemigos resulta atractivo y eficaz, la variedad es escasa; valiéndose los programadores del color (otra vez el verde y azul) para diferenciar los unos de los otros.

La ambientación y el entorno en el que se desarrolla la acción, sí que están cuidados con detalle; lo que nos permite sumergirnos en la jungla virtual por la que transitamos con extrema facilidad.

La música sólo aparece durante la pantalla de presentación, desapareciendo por completo en el menú y en el desarrollo del juego. Una vez empezamos a jugar, podemos apreciar que los efectos sonidos, aunque no son realistas, están bastante logrados en su contexto.

Por lo visto, los protagonistas son hermanos, e incluso tienen nombres: Ralf y Clark. Su objetivo es llegar a la aldea de Ikari, con el propósito de rescatar al general Alexander Bonn, retenido por una guerrilla revolucionaria de un país sin determinar. Pero para lograr completar su misión con éxito, tendrán que vérselas con un poderoso ejército.

El enfrentamiento se antoja feroz. Soldados, tanques, helicópteros y extrañas construcciones, en cuyo interior se esconden francotiradores, nos pondrán las cosas difíciles si decidimos sumergirnos en este clásico juego de acción.

Es importante destacar la opción que posibilita que el personaje avance, mientras su tronco permanece girado en la dirección que le plazca al jugador. Lo cual te permite acribillar a los enemigos que se cruzan contigo, sin necesidad de moverte hacia ellos o retroceder sobre tus pasos. Toda una innovación para la época.

También cabe destacar que ni la munición ni las granadas son ilimitadas, por lo que —más cuando se juega en modo dos jugadores— debemos amortizar el armamento al máximo y cuidar la estrategia de combate, prestando atención a quien debe recoger la munición y las granadas que está esparcida por el terreno. Pues quedarse sin balas, sólo puede significar una cosa: la muerte.

En definitiva, nos encontramos ante uno de los mejores —sino el mejor— de lo que se dio por llamar género "run & gun".

Si te ha picado el gusanillo, o quieres rememorar viejos tiempos, basta con que os descarguéis cualquier emulador de Amstrad CPC para poder jugar. Hay muchos, y muy buenos. Yo uso el NO$CPC, pero no quiere decir que sea el mejor, sino el primero que cayó en mis manos y que me resultó fácil de manejar.

En caso, de que no sepáis o tengáis alguna duda o curiosidad al respecto, decidmelo en los comentarios, y os aclararé todo lo que esté en mi mano.

Cambios en el blog y en el ritmo de publicación

2011-11-28T10:20:00.000+01:00

He tomado la decisión de volcarme en el blog, y tratar de actualizarlo de lunes a viernes. Sé que la taréa va a ser ardua, porque aparte de mi trabajo normal -por normal, entiéndase aquel que me da de comer-, tengo mis compromisos con Scifiworld, Nocte y Corruption Productions, así como mis relatos, novelas y otros proyectos ultrasecretos -los cuales no sé si verán algún día la luz y sólo hablaré de ellos bajo tortura.

Por eso mismo, y por lo que conté en una entrada anterior, voy a ampliar el abanico de temas a tratar. No me limitaré a hablar de cine y literatura -que también hablaré, y mucho-, como vengo haciendo hasta ahora, sino que habrá nuevas secciones dedicadas a mis otras grandes pasiones.

La mayoría de las nuevas secciones estarán relacionadas con la década de los ochenta, como son los cómics -aunque aquí también se tratarán temas actuales, que uno sigue siendo ávido lector-; los muñecos y los juegos de tablero de Cefa; el Parque de Atracciones de Madrid -pero no el de ahora, que parece una tienda, sino el de los ochenta, más ingenuo y mágico-; los juegos de ordenador -concretamente los de Amstrand CPC 464 y, en menor medida, las primeras aventuras gráficas de Pc-, así como de la escena retro -un movimiento sumamente interesante-; y varias cosas más que tendrán cabida en la miscelanea cultural y nostálgica que pretende ser este blog.

Mañana empezaré con una nueva entrada, dedicada a analizar los juegos de Amstrad CPC 464. Espero ser capaz de mantener el ritmo, y conseguir que vosotros, lectores, decidáis seguirme en esta nueva andadura.

"Cowboys & Aliens", de Jon Favreau

2011-11-25T01:10:00.000+01:00

"Cowboys & Aliens" tenía todas las papeletas para erigirse como una de las grandes triunfadoras de este año y, con el paso del tiempo, adquirir la aureola de película de culto. Todo, gracias a un excelente plantel de intérpretes -salvo la excepción de la que hablaremos-, un director aparentemente solvente y una premisa original y atrevida. Por eso mismo, resulta tan sangrante concluir que no pasa del aprobado.

El pulp está de moda, y Jon Favreau toma las riendas de este goloso proyecto -otro cómic, aunque menos conocido- con el propósito de demostrar a los ejecutivos, a los espectadores y, quizá, a sí mismo, que hay vida más allá de "Iron Man".

Favreau nos ofrece una película hecha con tanta profesionalidad como falta de brío, que huele a producto alimenticio. Y es una lástima, porque en "Iron Man" -no siendo éste un film redondo- podíamos atisbar retazos de lo que denominaríamos estilo. Mientras que en "Cowboys & Aliens" nos encontramos ante un proyecto impersonal, que podía haber firmado cualquiera de los directores comerciales de Hollywood.

El film está cargado de grandes explosiones e impresionantes efectos digitales; los cuales pueden hipnotizar a los espectadores menos exigentes. Pero el resultado es, como poco, decepcionante. "Cowboys & Aliens" es una cinta de ver y tirar. Nada en ella nos impulsa a pensar que perdurada en el tiempo, como otros clásicos de la ciencia ficción.

El guion es tosco y simple. Hecho sorprendente, estando Damon Lindelof entre los guionistas del film. La dirección es interesante en los momentos en los que la película se nos presenta como una película del Oeste, plagadas de referentes al western americano más clásico y a los mejores Spaghettis Western rodados entre los sesenta y setenta. Pero cuando entran en escena los invasores alienígenas -carentes por completo de carisma y meras comparsas para que los héroes se comporten de forma heroica- la historia se vuelve ridículamente insustancial.

Por desgracia para Harrison Ford, cuando dentro de varios años hablen de sus mejores incursiones en la ciencia ficción, seguirán mencionando la primera saga de "Star Wars" o "Blade Runner"; nadie se acordará de "Cowboys & Aliens". Y es una pena, pues, aunque en su escena de presentación su interpretación se nos antoja algo forzada -costándonos sobre manera aceptar que interpreta a un villano-, a medida que avanza el metraje su interpretación gana enteros y su personaje acaba por convertirse en lo poco rescatable de este fallido film.

Daniel Craig se limita a cumplir, ya que su personaje de héroe solitario, necesitado de redención, es completamente plano. Una pena que nadie sepa sacarle más partido a este actor, quien posee más talento del que le exigen sus directores.

Tampoco se aprovecha la apabullante presencia de Keith Carradine -a quien muchos recordamos por su magnífica recreación de Wild Bill Hickok en "Deadwood".

Lo peor es la interpretación de Olivia Wilde. No es capaz de transmitir nada y parece estar disfrazada de pistolera, en lugar de ejercer como tal.

Los nuevos mitos de Cthulhu

2011-11-15T01:28:00.000+01:00

Si alguien me hubiese dicho que más de una década después, desde que jugara por última vez una partida "La llamada de Cthulhu", la editorial encargada de publicar dicho juego en nuestro país incluiría uno de mis relatos en una antología dedicada a la obra de Lovecraft -con el propósito de celebrar una nueva y lujosa edición del libro de reglas- me hubiese "partido la caja"; hablando mal y pronto. Por eso mismo, me hace tantísima ilusión este proyecto. Es un sueño hecho realidad. Me cuesta imaginarme que pensarían los que jugaron conmigo, si se enterasen de la noticia.

Encima, los demás autores de Nocte que me acompañan me parecen fabulosos. Por lo que estar entre ellos es todo un honor para mí.

Y lo más sorprendente de este proyecto es que me siento bastante satisfecho con mi relato. Espero que cuando tenga el libro en mis manos, y vea una errata absurda, no me hunda en la miseria.

Tranquilos, voy superando mi frustración con las inevitables erratas de mis textos.

Igual que siempre; basta pinchar sobre la imagen de la entrada o la de la columna de la derecha para reservarlo o comprarlo -si lees esto después del 2 de diciembre de 2011-. Aunque también estará en las librerías. Recordad que es una edicción en papel.

Ahora os dejo toda la información de la novela.

Los Nuevos Mitos de Cthulhu

Los Mitos de Cthulhu

“No hay en el mundo fortuna mayor, creo, que la incapacidad de la mente humana para relacionar entre sí todo lo que hay en ella. Vivimos en una isla de plácida ignorancia, rodeados por los negros mares de lo infinito, y no es nuestro destino emprender largos viajes. Las ciencias, que siguen sus caminos propios, no han causado mucho daño hasta ahora; pero algún día la unión de esos disociados conocimientos nos abrirá a la realidad, y a la endeble posición que en ella ocupamos, perspectivas tan terribles que enloqueceremos ante la revelación, o huiremos de esa funesta luz, refugiándonos en la seguridad y la paz de una nueva edad de las tinieblas.”
— La llamada de Cthulhu, por Howard Phillips Lovecraft

Selecta antología de intranquilizadores relatos, inspirados en los Mitos de Cthulhu y la eterna obra del maestro del terror cósmico: H. P. Lovecraft. Entregando el esfuerzo de sus plumas —hoy digitales— a la memoria del solitario y excéntrico soñador de Providence, un total de 14 autores, representantes del terror patrio, proponen un nuevo acercamiento a Lovecraft desde una óptica diferente, conservando en algunos casos el estilo original del maestro y, en otros, innovando completamente en fondo y forma para ofrecer historias atrevidas, vanguardistas e, incluso, desenfadadas, pero siempre originales y sorprendentes.

Sombras Famentas, de Jacobo Feijóo

2011-11-07T22:48:00.000+01:00

Mi compañero de Nocte, Jacobo Feijóo, acaba de publicar un interesante libro, y desde aquí quiero hacerme eco de la excelente noticia.

Os dejo la nota de prensa:

Desde el lunes 7 de Noviembre ya puede encontrarse a la venta en las librerías de Galicia el libro “Sombras famentas e outros contos para ler de noite” (“Sombras hambrientas y otros cuentos para leer de noche”) del autor, y miembro de la Asociación Nocte, Jacobo Sánchez-Feijóo. El libro lo edita Urco Editora al precio de doce euros.

Esta edición en gallego incorpora, frente a la digital en castellano que ya vio la luz hace un año, nueve cuentos ilustrados por diferentes autoras gráficas.

El libro se estructura en dos partes diferenciadas.

La primera, “Sombras Hambrientas”, se mueve en el límite entre cuento largo y novela corta y presenta una nueva interpretación del mito vampírico. En ella se nos muestra, con un argumento ligero, una novedosa idea del vampiro actual derivada de la evolución biológica del clásico, idea que muy escasas veces se encuentra en la literatura del género. El relato está lleno de alusiones al lenguaje usado en la literatura gótica del siglo XIX, al cine y a títulos literarios que tratan tal temática. Debido al interés que ha suscitado, el autor ha anunciado que ya está comenzada la segunda parte, esta vez conformada como novela larga.

La segunda, “Otros cuentos para leer de noche”, recoge una antología de relatos sobre temas cotidianos y extraños (como puede ser el hecho de las cosas que desaparecen súbitamente y vuelven a aparecer en el sitio donde estaban). El autor dota de una explicación fantasmagórica a todos ellos haciendo juegos espacio-temporales en los que se ven claras alusiones a diversos autores de terror y ciencia ficción clásicos.

Ambas partes han sido cuidadamente ilustradas por 9 ilustradoras gráficas, una por relato, que aportan la fuerza visual necesaria para entender el libro como una obra de arte en conjunto.

El corte general de este libro es de tipo intelectual, pues se orienta a un lector que no busca tramas cinematográficas repletas de personajes y situaciones, sino la exposición simple de ideas misteriosas con explicaciones aparentemente delirantes pero del todo coherentes si se analizan en su conjunto. Con este estilo, el lector finaliza la lectura sintiendo una extraña inquietud, con la sensación de haber descubierto algo oculto y peligroso.

Actualmente, el libro se encuentra en fase de traducción al inglés, francés y japonés y se está negociando su publicación en español en formato de papel.

A lo largo del mes de Diciembre se hará la presentación oficial en FNAC de A Coruña, con fecha aún por determinar.

Más información en su blog:

http://culturamortis.blogspot.com/

Planetas prohibidos, número 3: "La insatisfacción del todo"

2011-11-04T10:51:00.000+01:00

Tengo el placer de comunicaros que mi relato "La insatisfacción del todo" ha salido publicado en la revista digital "Planetas Prohibidos", concretamente en su número 3, un especial dedicado al erotismo.

Nunca vi este relato como una historia erótica, pero cuando el editor de la revista, Javier Arnau, me propuso incluirlo en el número 3 en lugar de en el número 2, me pareció una idea curiosa y acepté encantado. Pues es verdad que el relato contiene momentos explícitos y pinceladas eróticas. En realidad, creo que todo relato iniciático está emparentado con el erotismo.

Como ya os dije en una entrada anterior, "La insatisfacción del todo" es uno de los relatos que más cariño le tengo, por un sinfín de motivos -los cuales no sé si quedaron claro en dicha entrada.

La revista gratuita, aparte de mi relato, contiene otros redactados por gente de mucha valía, así como artículos, tiras cómicas y cantidad ingente de información. Además, se puede descargar en varios formatos -PDF, EPUB- o leer online. Así que ya estáis tardando en descargaros no sólo este número tres, sino los dos anteriores.

Ah, y además la ilustradora Anabel Zaragozi nos brinda una bella composición inspirada en el relato.

Como siempre, si queréis descargar la revista, sólo tenéis que pinchar sobre la imagen, ya sea la que acompaña la entrada o la de la columna de la derecha.

Y pronto... una novedad que os hará la boca agua; o más bien, babear y perder la razón.

El árbol de la vida, de Terrence Malick

2011-11-02T13:48:00.000+01:00

Un viaje espiritual

Cada nueva película dirigida por Terrence Malick acaba por resultar una experiencia vital en sí misma, irrepetible, donde aquellos que se dejen llevar y no opongan resistencia al viaje que les proponen el director americano podrán alcanzar una especie de velada cercanía al concepto de Dios. Pero no del Dios que nos venden las religiones, sino un ser todopoderoso que está más allá de la razón: La Madre Naturaleza.

Para Malick el milagro está en la creación en sí misma del universo, y la consecuencia directa de la evolución de las especies: el ser humano, paradigma de la razón y arquetipo inclasificable de mártir penitente; condenado a dañar a su progenitora, tanto o más que a sí mismo.

Aquellos que no cultiven la paciencia y consideren que su tiempo es demasiado precioso para perderlo, que desistan y no compren la entrada; los demás, hacedlo sin dudarlo.

Malick no sólo pretende empaparnos de nuestra propia transcendencia, sino que nos exige un esfuerzo como espectadores. Pues es necesario que los sentidos estén a flor de piel y lo irracional prime sobre las argucias técnicas y la vacuidad que demasiado a menudo nos ofrece el séptimo arte.

“El árbol de la vida” nos narra una historia cotidiana –y no por ello, menos compleja y dolorosa- como es la muerte de un hermano y un hijo –vista desde distintos puntos de vista y con el añadido poético de las voces de los protagonistas escuchadas en Off- mientras el director inunda nuestros sentidos y mentes con un sinfín de sensaciones etéreas que nos hacen empatizar con los protagonistas y escarbar, al mismo tiempo, en nuestras propias experiencias vitales.

La añoranza y la memoria se tornan vehículos indispensables en este film.

Malick nos muestra el dolor, la frustración, el amor, el sacrificio, el tránsito a la madurez y la sin razón aparente de la muerte y de la vida –dos caras de una misma moneda- mediante una coreografía audiovisual atípica, donde la cámara adquiere vitalidad y participa con los actores y los elementos que los rodean sin dejarse notar.

En esta película el movimiento y las texturas adquieren casi una cualidad orgánica. Casi puede olerse el agua que mana de una manguera o percibir el sol de una mañana estival, gracias a la planificación técnica de esta obra de arte.

Malick nos ofrece una concatenación de composiciones en movimiento de una belleza indescriptible, potenciadas por una acertadísima banda sonora y un descaro que otros directores no podrían –o no les dejarían- permitirse.

“El árbol de la vida” nos brinda un poco de esperanza en estos tiempos donde –de forma justificada- se tiende a la desesperanza. La vida puede ser insoportablemente dolorosa, sí, pero también hermosa.

Pero por muy talentoso que sea el director, si no cuenta con un plantel de actores que estén a la altura, la película no funciona. Por eso, también es necesario destacar al magistral reparto de la misma.

Intruders, de Juan Carlos Fresnadillo

2011-10-31T01:52:00.000+01:00

LA CONSAGRACIÓN DE JUAN CARLOS FRESNADILLO

Juan Carlos Fresnadillo, después de obtener un éxito inesperado, antes si quiera de empezar su carrera cinematográfica, gracias a la candidatura al Oscar de su primer cortometraje ("Esposados", 1996), supo mantener los pies anclados al suelo y no se dejó cegar por los flashes de Hollywood. Tras la ceremonia, volvió a España y preparó con esmero la que iba a ser su ópera prima: "Intacto". Un largometraje arriesgado, y de enorme valía.

Danny Boyle se adelantó a todos, en una jugada maestra, y decidió contar con el talento de Fresnadillo, para que éste se pusiera detrás de la cámara en la que iba a ser la continuación de "24 días después". El director español no sólo estuvo a la altura, rodando esta segunda parte, sino que "24 semanas después" resultó ser una película mucho más sólida e interesante que la primera dirigida por el inglés.

Tras el éxito de "24 semanas después", Hollywood llamó a su puerta y le puso al frente de varios proyectos que no acabaron de cuajar. Aunque, finalmente, Fresnadillo pudo sacar adelante "Intruders".

Lo más destacable de "Intruders" es la capacidad que tiene el director para sembrar la inquietud en los espectadores, valiéndose exclusivamente de poderosas imágenes y de falsos silencios. Las secuencias evocan emociones fuertes, sin necesidad de utilizar trazos gruesos. Los personajes no sueltan largas parrafadas, para decirnos cómo se sienten; es la cámara -que parece estar siempre flotando- y las interpretaciones físicas de los actores, las encargadas de moldear una atmósfera espeluznante.

"Intruders" nos cuenta dos historias familiares que transcurren en paralelo, aunque en épocas distintas; y que al principio no parecen tener demasiado en común. En una de ellas, una familia española recurre a la religión para tratar de escapar de los fenómenos sobrenaturales que parecen asediarles; en la otra, es la psiquiatría la que trata de dar una explicación a los extrañas sucesos. En ambas, resulta importantísima la presencia de un monstruo sin cara -Carahueca- que se dedica a robar los hermosos rostros de niños y niñas.

En la película se nos habla de los miedos ancestrales e infantiles que perviven en la memoria, después de alcanzada la madurez, y cómo estos pueden afectar la estabilidad familiar.

Fresnadillo también demuestra que se puede rodar una película de Terror en español, y en España, sin que nada quede forzado o artificial; aunque a esto también colaboran las impresionantes actuaciones de Daniel Brull, Pilar López de Ayala, Héctor Alterio y el niño protagonista, excepcionales todos ellos. Y no menos excepcionales, el reparto inglés, encabezado por un soberbio Clive Owen.

El guión es sencillo, y quizá peca de demasiado esquemático. La trama, debido a algún aspecto endeble en su estructura y desarrollo, si hubiese caído en manos de otro director menos talentoso, podría haber dado como resultado un bodrio infumable. Pues toda la tensión y el suspense de esta película tienen muchísimo que ver con una cuidada planificación técnica, un montaje acertadísimo y una banda sonora, quizá demasiado presente, pero que cumple sobradamente.

"Scifiworld: Escribas del Miedo"

2011-10-25T11:57:00.000+02:00

Ayer salió "Scifiworld: Escribas del Miedo", un especial sobre escritores en lengua castellana y novelas de Terror. En él podréis saber un poco más -o descubrir- a Emilio Bueso, Juan Ángel Laguna Edroso, David Jasso y Juan De Dios Garduño.

"Scifiworld: Escribas del Miedo" es una edición digital gratuita, un regalo de Scifiworld a sus lectores. Para descargar el especial en PDF basta con pinchar sobre la imagen que acompaña la entrada o sobre la columna de la derecha donde aparece la imagen de la portada.

La publicación será aperiódica, por lo que no os puedo anticipar cuándo saldrá otro número. Lo que sí espero es que os pique el gusanillo, y le deis una oportunidad a alguna de las novelas mencionadas.

Sacamantecas y otros relatos vacos de terror, de Mikel Rodríguez

2011-10-10T12:39:00.000+02:00

Mi compañero de Nocte, Mikel, nos trae una interesante antología. Os dejo la nota de prensa de un libro que, al menos un servidor, va a devorar en breve:

SACAMANTECAS Y OTROS RELATOS VASCOS DE TERROR de MIKEL RODRIGUEZ

Las historias que constituyen este volumen son fruto de un afortunado cruce entre el género de terror –muy particularmente tal y como lo entendió H. P. Lovecraft, cuya «presencia», siempre inquietante, es notoria a lo largo de todo el libro– y la tradición vasca más truculenta y esotérica. El título del texto que encabeza el volumen, Sacamantecas, o el de otros, como Sabbat, Hombre-lobo en Bergara o Vampiros en Donostia, son suficientemente elocuentes sobre el espíritu que ha animado al autor, Mikel Rodríguez, quien se ha servido de su condición de historiador para ambientar los relatos con notable rigor en el tiempo y en el espacio. Así, en ellos aparecen referencias explícitas al misterioso despoblado alavés de Otxate, a las cazas de brujas del siglo XVI y XVII en el Labourd y en el país del Bidasoa o al naufragio en extrañas circunstancias del mercante Komaroski en aguas de Donostia, suceso éste que pudo inspirar a Bram Stoker uno de los episodios más conocidos de Drácula. Del mismo modo, los relatos están poblados por personajes históricos, desde un asesino en serie como Juan Díaz de Garayo, el famoso Sacamantecas, hasta Sabino Arana, fundador del PNV, pasando por el científico Fausto Elhuyar o el fabulista Félix María Samaniego. Rodríguez se suma con este volumen a una corriente literaria, la del género fantástico y de terror, que, aunque quizá no aflore con excesiva frecuencia, fluye desde lo más profundo de la tradición y la historia vascas.

Mikel Rodríguez Álvarez (Oiartzun, 1967) es profesor de Historia en el instituto de Lekaroz. Especialista en Historia Contemporánea y en Historia Oral, ha colaborado con instituciones como Eusko Ikaskuntza o Gerónimo de Uztariz y revistas como Historia 16, Historia y Vida, El mundo de los Pirineos o Serga, donde ha publicado un centenar de artículos. También ha participado en la actualización de la Enciclopedia General Ilustrada del País Vasco y del Petit Larousse. Es autor de los libros Maquis. La guerrilla vasca 1938-1962 (2000), Memoria de los vascos en la II Guerra Mundial (2002) y Espías vascos (2004). Sacamantecas y otros relatos vascos de terror es su primera incursión en la literatura de ficción

Código fuente, de Duncan Jones

2011-10-04T12:30:00.000+02:00

UN TROPIEZO PERDONABLE

“Código fuente” es una película realizada con solvencia, que cumple con su principal cometido: entretener. Este logro bastaría para cualquier otra producción de Hollywood, pero siendo la segunda película de Duncan Jones (“Moom”, 2009) resulta a todas luces insuficiente.

Estoy convencido de que cuando las luces de las salas en las que se proyectará la película se enciendan, los espectadores abandonarán el cine aturdidos, sin tener claro si les ha gustado o no. Porque “Código Fuente”, siendo un producto digno, no alcanza las cotas de calidad que se le presupone a una película urdida por un director que está destinado a dejar su impronta en el séptimo arte; convirtiéndose la cinta en una especie de quiero y no puedo.

La dirección no es lo que provoca que la película, que se presenta interesante, termine por ser un film fallido. Duncan Jones es un director notable. Sabe mantener el ritmo y planificar las distintas secuencias, con extrema habilidad, sin caer nunca en la saturación de planos, y evitando, en todo momento, la confusión que se da en otras películas contemporáneas, donde un montaje epiléptico, impide situar a los personajes en la acción y saber lo qué están haciendo en cada momento.

El guion es lo que echa por tierra la película, pues es demasiado endeble. El guionista Ben Ripley parte de una premisa poco explorada —viajes hacia atrás en el tiempo, de pocos minutos—, pero no original, como nos han querido hacer creer. Aunque el desarrollo de las tramas no tienen nada que ver entre una y otra, esta película recuerda a “Los cronocrímenes” (2007), dirigida por Nacho Vigalondo.

Los personajes secundarios apenas están esbozados, y carecen del trasfondo necesario para que los espectadores empaticen con la tragedia a la que están abocados. El trabajo de caracterización es nulo. No parecen personas, sino personajes fingiendo serlo; y éste, es otro de los grandes lastres de la película. Siendo la historia de un hombre que despierta en un tren destinado a explotar, qué menos que sufrir un poco por el cruento final que les aguarda a los incautos pasajeros.

Salvo la magistral interpretación de Jake Gyllenhaal (“Donnie Darko”, 2001), capaz de darle verosimilitud a su personaje, tanto en el papel de héroe como de hombre confuso y asustado, poco se puede salvar del resto del reparto, enfrentados a la imposible empresa de darle dinamismo y veracidad a unos personajes mal escritos.

Si alguien no acaba de entender a qué me refiero, basta que visione “United 93” (2006). En esta película, dirigida por Paul Greengrass, el espectador sabe que todos los ocupantes del avión están condenados a morir, y aún así, durante el metraje, vibra y se conmueve con los intentos de la tripulación y los pasajeros por evitar la tragedia. Por el contrario, en “Código fuente”, no se te forma un nudo en el estómago cuando sale malparado algún personaje, como sería deseable.

Duncan Jones hará una gran tercera película. La tercera, siempre es más fácil que la segunda. Tras la decepción, el nivel de exigencia se reduce.

Scifiworld, número 42

2011-09-27T23:24:00.000+02:00

Con algo de retraso, pues lleva ya un tiempo en los kioscos, os quiero recomendar el número 42 de Scifiworld, dedicado a Sitges, donde tengo el honor de hablar de varias películas premiadas en dicho festival. Además de ofreceros, entre otras interesantes perlas, un Maestros del fantástico de altos vuelos: Richard Matheson.

Espero que lo disfrutéis.

Ya a la venta "WaterCuentos", de Galisgamdigital.

2011-09-16T01:37:00.000+02:00

Ya podéis comprar el ebook "WaterCuentos", revista en formato ebook, de la mano de Galisgamdigital. Su precio es de un un euro. Podéis leer, entre otros tantos, mis microrrelatos: "Demasiado ocupados", "Matrimonio con Dios", "Adiós, amigo. Adiós" y "Diario de un desahuciado".

Para quien quiera adquirirlo, basta pinchar sobre la portada que acompaña a esta entrada o la imagen de la columna de la derecha, para acceder al enlace de la tienda Cyberdark. Si alguien no es capaz de comprarlo, que me lo diga y le explico paso a paso qué debe hacer.

Y para quien tenga dudas de qué es realmente "WaterCuentos", os dejo con una breve explicación de mi editor:

WaterCuentos Es una recopilación de relatos breves, de diversos autores, algunos noveles y otros profesionales. Es un ebook breve y barato, para los pequeños ratos de lectura (la cagada matutina, el viaje en autobús, metro o tranvía, el entierro de la prima segunda de la abuela, etc.). Son pequeños relatos, para todos en general, pero para nadie en particular. La variedad de autores, y la variedad de relatos, hace que estos doce cuentos sean cualquier cosa menos una lectura monótona. Y es que en Editorial Galisgamdigital te damos la oportunidad de participar en la colección WaterCuentos, sólo has de mandarnos tu relato a la dirección de correo que aparece en el interior del ebook. La participación supone que el autor del relato recibe un porcentaje proporcional a su participación por la venta de cada ejemplar en el que haya publicado. Si te gusta leer y escribir, WaterCuentos es lo andabas buscando.

Esteban Galisteo Gámez

“El Abismo en el Espejo”, de Rodolfo Martínez

2011-09-14T11:21:00.000+02:00

Después de leer la magnífica “El sueño del Rey Rojo” decidí descargarme el ebook “El Abismos en el espejo”, sin saber que la novela publicada por el sello de Rodolfo Martínez —Sportula— había sufrido bastantes variaciones respecto al original: título nuevo, más páginas y retoques aquí y allá. No he podido leer la novela original —“El abismo te devuelve la mirada”—, por lo que desconozco si el remozado ha diluido la fuerza del primer manuscrito publicado en papel. Por lo que me limitaré a analizar el ebook, tal cual, sin referencias al original.

“El Abismos en el Espejo” es un caso similar al de la excelente película “Alien”, es decir, una historia de terror puro, enmarcada en un escenario salpicado con numerosos elementos de ciencia ficción. Por eso mismo, la incursión de esta crítica en un blog dedicado al terror, puede generar cierta polémica, ya que habrá lectores que no comulguen con mi visión de la obra analizada. Pero en mi opinión, basta leer el atrayente comienzo de la narración, para sentir la atmósfera malsana y sucia, propia de una novela de terror. Aunque, siendo el autor un experto en mezclar géneros, dudo que nadie sea capaz de etiquetar con acierto ninguno de sus libros; y menos, quien escribe estas líneas.

Un escritor fascinado con los espejos, pero también frustrado, tanto con su vida como con su obra, quien se aferra al recuerdo deformado de una mujer que abandonó en el pasado, y que, al mismo tiempo, se siente preso de una relación equilibrada con su esposa, descuartiza a su mujer y a su hija, minutos antes de que sus alumnos acudan al taller literario que se va a celebrar durante varios días en su casa.

Lo que sería el final de la novela en manos de un escritor cualquiera, se convierte, en las expertas manos de Rodolfo Martínez, en el espeluznante comienzo de una historia, donde, como viene siendo habitual en este autor, priman los sentimientos de los personajes sobre la trama, la cual se desarrolla de forma parsimoniosa, pero sin perder un ápice de tensión. La acción y los conflictos son interiores, los hechos que se suceden no son más que una excusa para hablar de las debilidades humanas y de lo que significa ser escritor.

El punto fuerte de Rodolfo Martínez es como es capaz de transmitir sentimientos tan sumamente complicados de describir, valiéndose sólo de la palabra, como son la frustración, la depresión, el amor y el desamor; así como lo real que puede ser para un escritor la ficción, y como ésta puede condicionar la vida de aquellos que se dedican a plasmar historias más allá de los límites de su imaginación. Todo esto, sin negarnos la diversión propia de una novela de suspense.

En esta novela, hasta el personaje más secundario goza de una personalidad que le hace único, distinto a los demás. Al igual que en la realidad, en las historias de Rodolfo Martínez, no hay dos personas iguales. El escritor nunca cae en la solución fácil. No se limita a utilizar a algunos personajes planos a modo de meras comparsas, sólo para que los protagonistas avancen en la trama. Todos aquellos individuos que aparecen en las páginas de la novela están perfectamente definidos.

El único pero es que después de un arranque tan prometedor y un nudo bastante interesante, la trama se desinfla poco a poco —cuando debería alcanzar su cenit— y Rodolfo Martínez opta por darle a su historia un final bastante convencional. El cual resulta algo decepcionante, dada la brillantez de gran parte de la novela. Aún así, la novela te mantiene enganchado y cuesta no leérsela de un tirón, sobre todo por el carisma de los personajes y la necesidad de saber qué va a ocurrir con ellos. Y además, como ya mencioné, todos los personajes están muy bien escritos, lo que provoca que te resulte inevitable temer por ellos.

Lo más curioso de la novela es como Rodolfo Martínez se las apaña para crear una suerte de Hannibal Lecter español, que tiene entidad por sí mismo. Quien mientras permanece confinado en un psiquiátrico, trata de seguir con su vida, mientras espera a que algo suceda, a través de la ficción que escribe en un ordenador.

En mi opinión —aunque no es tan buena como “El sueño del Rey Rojo”— “El Abismo en el Espejo” es una novela notable, cuya lectura recomiendo —más pudiéndose descargar en formato digital, por solo 1,90 euros, de la web de Sportula.

Nunca más veréis los espejos de la misma forma.